永不消逝的电波

第一次看舞台剧电影，看的是杭州路演场。

迟了一小会，但是提早离场了。

🩵优点：1️⃣画面很精美 ，看得出来是舞台剧演员导演领域的拔尖老师们制作的。

场地 画质色彩 氛围都很到位。

演员们外形 身材 妆造都很话剧演员。

还有觉得旗袍好好看。

2️⃣全片是默片 没有台词，这种形式很新鲜。

🩵缺点1️⃣题材小众，容易觉得无聊。

拍的人可能很用心，但是不太能靠个人买账 ，需要组织买账。

2️⃣观影人员审美音乐门槛有要求。

3️⃣电影题材 拍摄手法 内核 即使结合了新形式，还是觉得很老套。

4️⃣本电影导演的镜头好晃啊，一直转来转去，觉得有点没看懂。

🩵私心：1️⃣电影会有越来越多的形式素材。

这是大趋势。

因为它可以不限时间空间场地，可以结合互联网被更久远的保留下来。

2️⃣但其实我认为舞台剧是不适合作为电影的。

舞台剧要的就是一个即时表演，要的是观众沉浸 ，以及一部分的观众演员互动。

而这个在电影中是无法完成的，只有一个单向体验的过程。

《永不消逝的电波》用电影镜头“重塑”舞台剧的同时，发明性质的创造出一种新的艺术形式，去表达历史影像、真实人物、电影表演、舞台舞蹈，甚至包含了剧院观众和荧幕观众。

导演在拍一种很新的抗战戏《永不消逝的电波》电影日记_哔哩哔哩_bilibili令人深感遗憾的是，部分人在明确所爱之物时候，连爱的东西是什么都很难分辨，往往仅因爱屋及乌的情感而爱一种形式，却忘掉了内核是什么。

我曾在长安大戏院，与众多年长的观众一同购票观影，共同探讨影片中的故事情节。

我能深切感受到，他们对此类作品的真挚喜爱。

然而，这种喜爱的目的何在？

是因其在我们生活中，无论是情感层面还是物质层面，均发挥了诸多实用功能？

还是仅仅为了将其作为个人身份的象征？

以电影《只此青绿》为例，众多观众对传统文化抱有浓厚兴趣。

例如，我的一篇关于《只此青绿》的文章，在绿色平台、B站平台乃至常用的微信平台上均获得了广泛关注。

有人指责我，认为我不应指出影片中的剪辑错误或创作团队的问题，否则便是在阻碍传统文化的传播。

然而，作为城市规划师及独立设计师，我对传统文化的热爱绝对不是拒绝态度。

如梁思成与林徽因，他们运用现代方式测绘古建筑，确保其内容的传承与传播，发挥了至关重要的作用。

在许多情况下，我并非仅为形式而行动。

我认为，许多人之所以喜爱知识与传统文化，或许是在过去崇洋媚外思潮的影响下，内心产生了一种弥补性的情感，他们试图通过喜爱传统文化来抵抗内心的崇洋媚外倾向。

然而，传统文化在家居装修、出游娱乐及教育后代中是否会作为你的首选，这些人依然会掂量一番。

尤为遗憾的是，有观众在绿色平台上留言称，《只此青绿》的创作团队仅有两名舞蹈演员担任导演，原因是之前《永不消逝的电波》的导演郑大圣导致该影片失败。

因此，这两名舞蹈演员决定亲自执导《只此青绿》，他还批评《永不消逝的电波》非常失败。

然而，根据我的观影经验，我曾参与过郑大圣导演的四场电影点映，并与其进行了深入的分享与交流。

作为上海电影协会的前负责人，我认为他的作品不可能犯下常识性的简单错误。

因此，我认为《只此青绿》的爱好者和观众，不应通过贬低《永不消逝的电波》来彰显自己的喜好，从而回避《只此青绿》中可能存在的调色、隐喻错误及剪辑等问题。

1. 上海轰动一时的舞台剧昨晚，我观看了《永不消逝的电波》。

目前，该影片仅在B站播放，其他平台均未上线。

在分享会上，郑大圣导演曾提及，他手头正忙于将舞台剧《永不消逝的电波》改编为电影。

我曾看过他执导的《廉吏于成龙》，他成功地将一部主旋律现代京剧以电影形式记录下来。

在镜头运用、打破第四面墙及与观众交流等方面，他进行了诸多探索与思考。

因此，我将《永不消逝的电波》标记为我想看的电影。

影片上映后，似乎仅在北京的艺术院线联盟短暂上映，且上映时间极短，几乎找不到其他放映的影院。

幸运的是，昨天早上豆瓣提醒我，该影片已在B站上线。

于是，我迅速向朋友借了一天B站的账号，并观看了这部需要大会员才能观看的影片。

观看后，我对于之前网友的评论有了更深刻的理解。

对于《只此青绿》的喜爱，乃至对传统文化及古画的欣赏，均属个人偏好，无可厚非。

然而，盲目地因爱屋及乌而认为《只此青绿》的导演、调色及剪辑等方面均无可挑剔，无需改进，则显得有失偏颇。

今日，借由《永不消逝的电波》这部电影的日记，意图对比分析两部影片，探讨其可学习与借鉴之处。

今日为2024年11月26日，我所记录的电影为《永不消逝的电波》。

此片源自电影改编的舞台剧，在上海引起轰动后，又被重新拍摄成电影。

这种创作形式堪称前无古人，后无来者。

如何在创作中避免与过往电影雷同，增添新意，是此类作品面临的挑战。

观影时，家人指出该片颇具谍战片的韵味。

尽管以舞台剧形式呈现，但其悬念氛围却非常适合改编为电影。

然而，与《只此青绿》相比，《永不消逝的电波》展现了导演对各种艺术形式特点的融合与取长补短。

每种艺术形式都有其独特之处，当这些长处被巧妙地融入影片时，往往能产生一加一大于二的效果。

2. 艺术融合的逻辑之王在探讨《只此青绿》时，不得不提的一个重大失误是其隐喻错误与视觉逻辑的混乱堆砌。

该片导演似乎过于急于展示自己的舞蹈，将其视为一种美好的形象进行展示。

这种心态类似于初次接触美图秀秀的阿姨，疯狂地使用滤镜和磨皮功能，结果却适得其反，失去了原本的真实感。

相比之下，《永不消逝的电波》的导演对各种艺术形式的特点有着清晰的认识。

根据导演的自述，他从小跟随家人观看京剧等各种表演形式，她母亲则是《人·鬼·情》的导演。

同时，他在国外系统地学习了西方电影语言，这使他能够自如地将舞台剧、电影、历史影像等多种艺术形式，甚至赛博朋克元素等，以电影的形式重新呈现。

这种创作的可能性是极高的。

当前的春晚舞台上，舞蹈类节目则大量运用了3D虚幻引擎与真实舞台相结合的效果，令人震撼。

在《永不消逝的电波》中，同样可以看到这种特点。

影片中，各种艺术形式纷纷呈现，毫不避讳，毫不排斥。

对于年轻人而言，这种杂糅可能显得不够正式。

然而，从《廉吏于成龙》等作品的探索中可以看出，经历过各种场面的人并不畏惧将不同元素杂糅在一起。

例如，张艺谋就曾将西北的面条直接以投影的形式呈现在春晚上，与舞蹈相结合，形成了独特的节目。

这种大俗大雅的结合，正是其独特之处。

回到《永不消逝的电波》，当所有形式结合在一起时，最重要的是保持逻辑的合理性。

这也是《只此青绿》中严重欠缺的地方。

其隐喻逻辑存在错误。

而在《永不消逝的电波》中，作者构建了多重空间，每一层空间之间都保持着严格的逻辑关系。

这类似于京剧中的表演逻辑，角色从哪个门上台、下台，都有其固定的表演规则。

这些规则能够基于逻辑进行创作，表达每个人的特点。

如果没有这些逻辑，直接让人物在舞台上手舞足蹈，那么无论是正常行走还是掺杂情绪，都会显得不合理。

因此，构建逻辑对于电影创作至关重要。

3. 构建“第五面墙”，实现时空对话《永不消逝的电波》首次给我留下深刻印象的逻辑安排，在于剧中人物在做出伟大牺牲之时，画面巧妙地穿插了舞台剧观众的镜头。

这些观众的出现，象征着舞台角色即将离开舞台，步入一个更高维度的空间。

我们作为观众，实则处于他们的高维度视角，这种体验颇为神奇，且在影片中多次出现。

尤其是当多位角色面临生死抉择，他们的画面中融入了观众的凝视，营造出一种强烈的情感共鸣。

影片结尾，男主角步入服装店，镜头从EXIT安全出口巧妙转移，仿佛他正从剧院舞台走向现实，这种设计同样寓意深远。

此类安排使得舞台下的观众与台上的演员之间产生了微妙的互动，演员仿佛真实地跨越了界限，进入了观众的空间，挣脱了原有世界的束缚，进行了一场跨时空的对话。

片尾，上海的场景更是将这种互动推向高潮。

一位已故的男角色与一位在世的女角色，分别位于浦东与浦西，背光与顺光交相辉映，形成了跨越战乱年代与和平年代的对话，将两个截然不同的维度紧密地联系在一起。

不仅如此，影片中的演员在退场时，除了背景中观众的出现，他们还会朝着舞台背景的方向走去，甚至回望一眼，仿佛在与屏幕前的我们——无论是电影院中的观众还是流媒体前的沙发客——进行互动。

这种设计，使得舞台除了传统的第四面墙面对舞台剧观众外，还构建了一面面向电影观众的“第五面墙”。

那些即将离开舞台的角色，仿佛在与我们进行着跨越时空的对话，这种感觉既神奇又深刻。

另一逻辑体现在影片结尾出现的《永不消逝的电波》电影版台词。

这些台词源自一部老电影，而我母亲曾看过，我则未曾涉猎。

这些台词如同一座桥梁，连接着不同的维度。

影片在结尾时，这句台词实现了与古老电影版的呼应与互动，而整个舞台剧在最终的电影版中并未出现任何语言旁白，这句呼应无疑非常震撼，非常适合成为了两个版本之间的纽带。

4. 电影、舞台与真实历史在影片的尾声部分，展现了该故事背后两个人物原型的真实历史故事。

这些真实故事与不同年代、不同版本所杜撰出的故事之间产生了紧密的联系与互动。

当这两个人物的照片出现时，从整个电影的结构视角来看，影片开头所呈现的是一系列宏大的历史影像，它们与舞台剧形成了鲜明的互动。

这些历史影像气势磅礴，但在影片的结尾处，导演巧妙地将这些宏大的元素聚焦于两个人的情感之上，真正触及了观众的心灵深处。

导演并未选择将宏大叙事持续放大，而是将其细腻地融入两个人的情感之中，这种细腻的处理手法同样产生了一种深刻的互动。

在电影呈现舞台剧的过程中，导演对舞台剧的内容进行了一定程度的逻辑加工。

舞台上所表演的内容，实际上是演员们想象出来的场景。

例如，在真实生活中，演员在某个场景下会想象身后有人走过。

在电影录制舞台剧时，导演会补录一些上海弄堂里真实且具有生活气息的环境音和画面，作为现实部分。

然而，当演员突然开始想象身后有人走过时，画面便切换回舞台上的表演方式。

由于舞台剧相较于现实生活更具规律性、韵律感和艺术感，导演巧妙地运用这种逻辑形式，将《永不消逝的电波》中的写实内容与舞台上的表演内容完美融合。

因此，在这些逻辑严密的连接之下，观众在观看这个故事时，会发现这些形式上的呈现同样具备叙事的功能。

这些形式的创新不仅丰富了故事的讲述方式，更让观众在观影过程中产生了深刻的思考。

当观众发现影片中的某个声音来自电影本身，或是在一些惨烈、壮烈的画面中，看到台下几百名观众凝视着屏幕时，这种叙事带来的震撼感已经超越了故事本身。

观众开始思考真实历史与艺术创作之间的微妙关系，这种感觉异常奇妙。

在多次观众的出现、作者以自身身份代入故事以及电影日记的撰写过程中，这种历史的贯通感、创作者与观众之间的共鸣以及不同版本创作者之间的感受，都紧密地呼应和连接在一起，形成了一种难以言喻的深刻体验。

5. 郑大圣的艺术克制因此，我认为《永不消逝的电波》及其导演郑大圣之所以卓越，关键在于其高度的自知之明。

他深刻理解各种艺术形式的特点，并未因将舞台剧录制下来就意图取代观众亲自前往剧院的体验。

例如，在剧中女主角下班回家经过小巷的场景中，他巧妙地利用一群打伞的人来隐喻天空中电波密布的情景，这些电波和信息的接触则需要通过特效来呈现，这一处理极为出色。

在呈现这些落下的电波时，我起初好奇为何没有采用远景来拍摄跳舞人群的完整阵型和队伍。

然而，我后来意识到，如果将舞台剧像《只此青绿》般详尽无遗地以近景和远景交替拍摄，反而会削弱观众前往剧院观看舞台剧的动力。

在观看《永不消逝的电波》后，我深刻感受到，某些镜头并未展现全景，这引发了我强烈的好奇心，渴望在剧院中从全景视角再次观赏这部舞台剧。

当然，我也希望能近距离观赏近景和特写，但受限于剧场条件，只能坐在远景位置。

正是这种对远景的向往，让我更加渴望再次体验这部舞台剧。

我认为郑大圣在某种程度上展现出了极高的克制力，这种克制是非常明智的，它为各种艺术形式保留了活力。

例如，在观影后，我不仅对老版《永不消逝的电波》电影产生了兴趣，也对曾经的翻拍电视剧产生了兴趣，甚至因你推荐的照片而对真实历史人物产生了兴趣。

我可以顺着自己的兴趣去深入研究。

各种艺术形式在此融合，既不打架也不冲突，各自展现着独特的魅力。

与我批评的《只此青绿》中滥用特写、近景和远景来煽情不同，《永不消逝的电波》中的每一个镜头都具有明确的功能性。

例如，开场舞蹈中前景握手时扇子轻微旋转的场景，就能给观众带来强烈的律动感。

这种扇子的旋转所展现的律动感，比《只此青绿》中那些刻意夸张的敲击和扭动更为自然和流畅。

这是因为当镜头旋转幅度变大、整体节奏变缓时，扇子的突然旋转能给观众带来整齐划一、赏心悦目的感觉。

而在《只此青绿》中，镜头和演员都在持续运动，但运动幅度并不大，这种持续的运动反而削弱了观众的视觉感受。

正如物理学原理所述，两辆快速前进的车在相对运动中看起来是静止的。

因此，在《永不消逝的电波》中，特写镜头、中景镜头和远景镜头都有其独特的特点。

有时甚至会引入广角镜头，特别是在女舞蹈演员做出畸形动作时，广角镜头能夸大动作的幅度，强化演员身体的强悍机能。

这些镜头的巧妙运用，无疑增强了观众的视觉体验。

观看《只此青绿》后，观众可能感叹舞蹈演员很多，很复杂，就像棋盘上的棋子一样，但往往难以看清每个细节的功能。

而《永不消逝的电波》则充分利用各种镜头语言，将舞台剧的美好全方位呈现给观众。

时而近观舞台细节，时而远眺全局，这种多角度的呈现方式让观众恨不得亲眼目睹舞台剧的每一个精彩瞬间。

尽管已观看过影片，但观众仍会怀着强烈的愿望，期待再次亲临剧院，感受舞台剧的震撼与魅力。

6. 摩斯密码的细腻质感我认为，《永不消逝的电波》若推出电影原声带，定能吸引众多听众。

片头的《渔光曲》旋律悠扬，逐渐渗透人心，这一经典旋律因张艺谋的《山楂树之恋》而广为人知，深受80后、90后喜爱。

影片结尾处，童声合唱版的《渔光曲》更是动人心弦。

此外，电影中的音乐使用极为克制，与情节发展紧密相连，展现了故事片般的音乐运用技巧。

尤为重要的是，电影保留了舞剧的独特魅力。

例如，男女主角在床前共舞的段落，以及他们得知怀孕即将分离时的舞蹈场景，音乐的巧妙运用与特效画面的精准切入，为这两场舞蹈增添了丰富的内涵。

起初，部分观众可能对频繁切换的花开特效画面感到困惑，但随着情节推进，那些星星点点的电波状图案，既象征着人类繁衍的奥秘，又如同河北打铁树和树花般爆发出顽强的生命力。

电影故意展现舞台与背景之间的边界，使观众仿佛置身于多媒体舞厅之中，深刻感受舞剧与电影艺术的完美融合。

我渴望深入聆听这两段舞蹈之间的音乐，相信它们与舞台剧表演时的音乐有所不同，或许经过了重新编曲和乐器调整。

除此之外，电影中的声音效果也令人印象深刻。

尤其是男女主角在对方肩上敲打摩斯密码的场景，声音质感细腻，如同给大脑做按摩，令人头皮发麻。

在纯静的环境中，他们通过敲打传递信息，避免被监听者察觉。

电影中的环境音和背景音运用丰富，远超舞台剧的表现力。

7. 年轻观众的“艺术盛宴”综上所述，我认为《永不消逝的电波》完全有资格被视作电影学校的经典教材。

它不仅超越了传统电影学校的框架，更在其创作过程中融合了多种艺术形式。

例如，它借鉴了卓别林的默片元素，融入了舞台剧的表现手法，并且在武术表演中，我们不难发现从戏曲中汲取的灵感。

此外，在影片的剪辑过程中，导演巧妙地运用了多种技巧。

影片开头的剪辑风格类似于春晚的舞台呈现，注重整体效果的展现；而当故事性逐渐增强时，剪辑则更加注重细节，镜头并未过分贴近演员，而是保持了适当的距离，同时剪辑速度也相应加快。

特别是影片中一场精彩的打戏，通过不同角度和位置的拍摄，展现了极高的制作水准。

这让我想起了王家卫导演在《一代宗师》中，为了拍摄一场打戏，不惜花费数月时间，甚至导致主演梁朝伟肺部发炎的敬业精神。

同时，《永不消逝的电波》中对于影子的运用也颇具匠心，这些元素共同构成了影片独特的艺术风格。

综上所述，我认为该片完全有资格成为电影教学的经典案例。

《永不消逝的电波》不仅是一部电影教材的典范，同时也为舞蹈剧和默片提供了宝贵的教学素材。

能够达到如此高度的导演实属罕见，这主要归因于几个关键因素。

首先，该片的主题选择便非一般导演所能驾驭。

导演郑大圣的作品，如《廉吏于成龙》、《危城之恋》和《天津闲人》的姊妹片，以及《古玩》等，均展现出其独特的历史思考和艺术追求，而非单纯追求商业利益。

此外，《我本是高山》这部作品更是颠覆了传统主旋律内容的常规表达，令人耳目一新。

在当今时代，许多经典作品面临着如何以更加直接且年轻化的形式被广大观众，尤其是年轻观众、新观众以及创意爱好者所接受的挑战。

若将经典作品高高在上，与观众脱节，特别是与那些追求新鲜感和创意的年轻观众脱节，那么这些作品很容易陷入断代和失传的危机。

因此，如何平衡经典与创新，使作品既保持其艺术价值，又能贴近观众，成为当前艺术创作的重要课题。

而《永不消逝的电波》则在这一方面做出了积极的探索与尝试。

我衷心希望《永不消逝的电波》能够吸引更多观众，因为它的形式新颖、内容深刻，值得传承和发扬。

电影版在B站独播，我认为是非常合适的选择。

B站作为年轻人的聚集地，拥有广泛的受众基础，同时积极传播正能量。

这部电影在B站独播，既能吸引年轻观众，又能传承经典文化，实现艺术与商业的双赢。

当然，如果舞台剧在北京演出，我也会毫不犹豫地购票观看。

以上便是我对电影《永不消逝的电波》的日记。

晚上得空，围绕郑大圣导演的舞剧电影新作《永不消逝的电波》，再多说几句:1.上海。

大圣这次改编，最重要的一个特色，就是突出了这部革命经典电影的上海性。

众多关于上海的城市资料影像、弄堂里巷的实景表演跟舞台上的舞剧演出交织在一起呈现，突出了这部作品之于上海的独特城市属性。

如果说《天津闲人》是大圣关于成长故乡天津的代表作的话，那么本片就是大圣之于出生和成名故乡上海的情感汇聚之作。

李侠夫妇在弄堂里的生活场景，自然透露出大圣本人的成长记忆与情感。

这种记忆与情感，不只是之于上海这座城市的建筑和社会生活，也同样基于大圣依托自身所在的艺术世家血脉、之于以上海为中心的中国电影史的情感。

影片中各位牺牲的革命者突然复活的场景，自然让人想起孙瑜导演近百年前的经典电影《大路》的片末浪漫主义桥段。

而年轻联络员牺牲时的地点外白渡桥，也是一个早已跟上海的租界历史紧密相联的符号化场所。

更不用说贯穿影片始终的经典电影音乐《渔光曲》。

这样的编排处理，不只是向上海的左翼电影史致敬，也同样是对上海作为中国百年现代化进程的中心城市历史的温情回望，让人感动。

2.以人为本。

影片中反复出现的英文书籍道具，是文学名著《理智与情感》。

跟大圣在《我本是高山》《1921》等作品里所呈现的基调一致，他在镜头中，惯常会让“高大上”的楷模式人物，回归人性与人文主义的视角，进行更为日常化的呈现。

为革命理想而奉献的“理智”，跟伴侣之情、同志之情、守望之情的情感，是以李侠夫妇为中心的地下革命工作者的一体两面。

正基于此，李侠被捕之前妻子的痛哭欲绝，才更加具备人性的自然与情感层面的感染能力。

3.间离。

大圣外祖父黄佐临先生提出的“写意戏剧观”中，承继自布莱希特的“间离”效应是很重要的一条要素，早在戏曲电影《廉吏于成龙》中，他就在片末安排过舞台上的“穿帮”场景。

在《永不消逝的电波》中，大圣不只把镜头对准舞剧台下的观众，还让李侠躲避特务追捕时，走入了剧院里的“安全出口”。

这种戏剧与现实之间的融汇与“穿帮”，之前也曾在《天津闲人》中出现，它既构成一种虚构性叙事的循环效应，也同样是以“间离”的美学理念，提示观众与电影各为主体的一种有效尝试。

凝视与被凝视之间的反转，会提升镜头语言的纵深感。

4.红色。

影片中的色彩美学，同样颇为值得称道，其中让人印象最深的，就是跟革命的象征意义天然相联的红色。

主人公身上的那条大红围巾，就极具这一象征效应。

值得注意的是，当他们被捕或牺牲之时，连同落地的红色围巾同步呈现的，是红光闪烁的路口。

这里的红色，不只有革命的象征意义，也同样喻示着鲜血之牺牲。

相比之下，女特务头头的衣着，虽然同为红色，但却是跟大红、鲜红相对应的粉红。

粉红指向的权贵阶层与软性文化的含义，跟革命者的形象，构成了鲜明对照。

来源：文汇报 沈嘉熠 麦随风里熟，梅逐雨中黄。

第二十六届上海国际电影节今天开幕，申城再一次切入电影时间。

今年的上海国际电影节，正值上海解放75周年和新中国成立75周年。

舞剧电影《永不消逝的电波》将于明晚的金爵盛典之后正式与观众见面。

从1958年的电影版本、2018年创排的舞剧版本到今年的舞剧电影版本，一段故事、三种审美，相互观照、相互成就，凝结为上海独有的红色记忆。

“云儿飘在海空，鱼儿藏在水中……东方现出微明，星儿藏入天空……”一首《渔光曲》从蔡楚生导演的同名电影，经过舞台，飘至今天的大银幕，这便是舞剧电影《永不消逝的电波》（以下简称《电波》）与左翼电影的精妙连结。

上海是中国共产党的诞生地，也是左翼电影诞生的摇篮。

75年前，为迎接上海解放，无数共产党人前赴后继，为了建立新中国的梦想，无畏地倒在黎明前夕；75年后的今天，上海立于东海之滨，成为国内外知名的经济中心和文化高地，依然吸引着四面八方的人们来此追逐自己的梦想。

正因如此，我们更需要以历史书写未来，穿越时空，找寻曾经的信念，延续红色的基因。

1958年，电影《永不消逝的电波》由王苹导演，孙道临主演，以隐蔽战线的优秀共产党员李白为原型，讲述李侠等革命先烈在上海英勇奋斗的故事。

2018年，韩真、周莉亚将《电波》故事改编，创作了同名舞剧，王佳俊、朱洁静主演，公演600多场，再一次让红色上海的故事舞动全国。

2024年，由郑大圣总导演、崔轶导演，将舞剧重塑为电影，让李侠和兰芬的故事以崭新的面貌再次回到银幕，成为新的光影传奇。

红色血脉，代代传承，也接续书写着充满活力的艺术创作。

影像元素的传承与重构左翼电影代表作《渔光曲》的同名插曲，在舞剧中原本只是板凳蒲扇舞的配乐，以表现老上海弄堂里平民生活的日常，并非主要刻画剧情；但在舞剧电影中，歌曲的主导性被凸显出来，段落放置影片开头，音乐旋律、节奏与画面剪辑、影调完美契合，动感、流畅，显现透净而静谧的美感。

不仅如此，这段非叙事舞蹈的电影化表达把观众“熟悉”的元素以“陌生化”的方式重新呈现，打破电影叙事的连贯性，使观众欣赏的同时升华出某种艺术的距离感，为整个影片铺垫了富有间离效果的影像基调。

“间离效果”源于德国戏剧家布莱希特的戏剧理论，指戏剧创作打破舞台的“第四堵墙”，与观众之间保持一种假定的心理距离，形成超然的接受关系。

电影本是“梦的工厂”，观众观影是全然接受、代入的过程，影像叙事是统一的、连贯的。

然而，随着后现代文化的演进，电影的解构风格和假定性表达逐渐被观众熟知，使电影的“间离”美学再次得以发展，如电影《爱乐之城》《芭比》等都备受瞩目，被很多00后年轻人追捧。

他们的审美是伴随着自媒体、短视频等成长起来的，更接受影片中多重维度的拼贴与丝滑的转换。

《电波》恰逢其时，使红色的英雄故事被现代的美感包裹。

舞剧电影《电波》，似乎回到《渔光曲》的默片时代，除了环境声和配乐，全剧只有一句著名台词重现于无台词的影片结尾：1958年版电影中孙道临“同志们，永别了！

我想念你们”的原音，显然已超越台词叙事表意的功能，具有一种穿透力，把情感推向高潮，这何尝不是另一种传承？

影片在戏剧性冲突和情感表达的段落都用了有绘画元素的特效，在画面上产生一种超越现实的间离感，同时又是导演表达冲突气氛和人物情感的手段：如地下交通员、人力车夫路勇与特务打斗的场面，导演的镜头语言较大程度地还原了舞台调度，原属舞台天幕位置则用油画的天空特效，配合剧情紧张感的递进，天空的影调逐渐压暗下来，风云变幻的速度也随着剧情而加快。

当李侠与兰芬的爱情在工作中悄悄滋长，有一段比较经典的双人舞，肢体语言的情感表现本已达到饱和。

电影此处沿用舞剧的花卉背景，但做成老上海墙纸的仿真特效，随着双人舞和音乐的节奏提升，镜头一转画面特写中，藤蔓也以动画的方式生长蔓延，花朵也竞相开放，影像表意深情、含蓄而浪漫。

舞者是真实的，布景是假定的，天幕是虚拟的，三种维度的元素融合进同一电影语言中，以其独有的方式展现出不同于原先电影或舞剧的美感。

电影中还有几处耐人寻味的符号化表达，比如旗袍店暴露、老板老方（实为中共华东局情报组组长）在李侠和兰芬眼前牺牲，李侠把妻子送上人力车后，自己则从后门进入一片狼藉的旗袍店，寻找老方遗留下来的情报；这里镜头从马路的实景一转，以第三人称视角，俯拍李侠从带有“安全出口”指示灯的真实舞台后门进入情境。

此外，影片的其他段落还出现了侧幕条、警戒线等，这些都是舞台后台的装置，原则上不应该出现在电影中，更不会出现在舞台演出中。

导演为什么要安排这样的“穿帮设计”呢？

从影像本体而言，把“后台”符号纳入镜头，以“前台”表现，打破了舞台“第四堵墙”的桎梏。

这种拼贴式的元素超越了艺术门类的语汇，又未打破作品的完整性，恰恰契合了当代文化的艺术表达，有且只有电影可以做到。

李侠本可以有自己的“安全出口”，是与家人全身而退，还是独自逆向而行？

李侠选择了后者，英勇的先烈们选择了后者。

历史的长河中无数人、无数次的选择背后，信念和爱是唯一的底色。

空间维度的多重与间离《电波》在舞台空间表现的基础上以解放前上海的报馆、旗袍裁缝店、石库门弄堂民居等为主要场景，并穿插了旧上海的文献纪录电影，再加上动画特效等，全片一共呈现了七重维度的影像空间。

影片开头，李侠与兰芬各自临危受命到达上海。

镜头语言极其简练，背景影像用感光度低而反差大的画面，抹去层次，只剩下平面的黑白轮廓。

于是，延安圣地的宝塔山形成一种朦胧的、酷似中国水墨画的影调，前景是战士李侠向远处的宝塔山敬礼告别。

前景是实像，后景则为写意虚境。

这样“虚实结合”的影像和新中国初期诸多戏曲电影不同，那个时候戏曲电影主要以实景与彩绘背景结合；而电影《电波》则从黑白纪录片中选取画面，通过过滤灰度的处理，加大光影对比度，与演员的实景形成间隔于真实影像的反差，画面有一种高级的现代美感。

随后，李侠与兰芬相遇，相携走向纪录电影中，接着镜头一转，李侠与兰芬出现在充满烟火气的弄堂里，忙不迭地和邻居们打着招呼。

尽管视觉上似乎是从假定空间跳转至现实空间，但因为作品本来从舞剧而来，舞台表现感是天然的，叙事剪辑又很流畅，因此观众在心理上完全接受这样间离的空间跳转。

电影对现实与虚幻的天然表现力和包容力不是舞台可比拟的，它能最有效地处理交错糅杂的时空主题。

在多维空间中恣意驰骋大约是《电波》最显见的过人之处。

影片中有诸多刻意的穿帮镜头、意识空间及超现实表达，与影片的现实空间奇迹般融为一体，其中最能体现电影打破原舞剧束缚的神来之笔是加入了有“穿帮”元素的天堂情境和舞台下的观众席场面。

当交通员赵晓光为救李侠而壮烈牺牲后，老方和李侠分别回忆他们与赵晓光相处的前史，又融合他们在天堂与晓光相遇的想象。

这一段导演运用MOCO（动作捕捉摄影机）拍摄，为表现人物痛失战友添上一种轻柔而浪漫的意识流影像。

这段画面采用高光，拍得非常唯美，但背景则又有明显的穿帮（排练室的灯具、把杆等），让观众陷入幻觉的同时又保持清醒的疏离。

另一场英雄们牺牲的段落：为表现上海地下组织被反动派大规模地破坏，导演不仅打破舞剧的“第四堵墙”视角，更大胆地180度跳越轴线，镜头反打舞台下面的观众席，而舞台上演员们扮演的烈士反而成了画面的前景。

180度轴线是电影中保持观众连贯的空间感知的拍摄原则。

然而，任何原则都是用来被打破的。

《电波》中镜头打断空间的一致和人物视线的连贯，用大跳轴把舞台下的观众席作为另一个表现空间，观众既与艺术保持疏离地欣赏，又在视觉上加强了节奏，升华了情感。

这样的镜头语言让人不禁想起1939年经典美国西部片《关山飞渡》中著名的跳轴段落。

郑大圣和崔轶两位导演都是科班出身，他们分别都钻研过实验电影和纪录电影，这些经历深深刻在他们的创作肌理中。

当李侠、赵晓光、老方等诸多烈士站在舞台上向台下观众告别，银幕上出现的观众席并未打破影片的叙事脉络：镜头讲述的是后辈演绎先烈的故事，传承的是牺牲与守护的信念。

大跳轴产生的视觉间离感与故事、音乐、表演等所有元素融合在一起，形成影像的力量；紧接着文献纪录片中共产党人被枪杀的真实画面出现在银幕上，枪声则做了杜比全景声处理。

真实的影像和震耳的音效猛烈地撞击着观众，甚至超越了跳轴带来的视觉冲击。

郑大圣曾言“没有任何力量可以超越‘真实现场’的震撼力”。

因此，在影片中间歇性地插入纪录影像，形成基于现实又超越现实的表达，使故事与画面之间产生一种不同寻常的关系，交织的光束带来只属于电影的、超越平庸的诗意。

“电影是什么？

还可以是什么？

”这是郑大圣30年前从先锋艺术学府——美国芝加哥艺术学院毕业时，对未来的踌躇。

30年后的今天，舞剧电影《永不消逝的电波》横空出世，成就了从舞台深处滋生而成的间离影像文体，与1958年电影版本以及2018年创排的舞剧版本形成一段故事、三种审美，相互观照、相互成就，凝结为上海独有的红色记忆。

电影不会仅仅“为了艺术而艺术”，它不拘泥于任何艺术语言或创作原则，在文化世界与价值空间中争得一席珍贵的存在。

也许这，就是电影的力量。

（作者为华东师范大学教授、博士生导师）

《永不消逝的电波》是一部令人震撼的舞剧作品，朱洁静在其中担任主演，她的表演无疑为这部作品增色不少。

整部舞剧以电波为线索，展现了抗战时期地下工作者的英勇与牺牲。

朱洁静在剧中的表现尤为出色，她以精湛的舞技和深情的表演，将角色的内心世界展现得淋漓尽致。

无论是与敌人斗智斗勇的紧张刺激，还是与战友并肩作战的感人至深，她都诠释得恰到好处，让人感受到了那个特殊时期人们的坚韧与勇气。

舞剧的编排也十分精彩，通过多媒体的运用和舞美的设计，营造出了逼真的历史场景。

尤其是暴雨的投影和报纸上的文字变化成电波密码，这些创意的设计让观众仿佛置身于那个时代，感受到了那份紧张与刺激。

总之，《永不消逝的电波》是一部值得一看再看的舞剧作品。

朱洁静的表演、舞剧的编排以及多媒体的运用都让人印象深刻。

这部作品不仅展现了抗战时期地下工作者的英勇与牺牲，更传递了一种坚韧不拔、勇往直前的精神。

看完后觉得这次买舞剧票一定能抽到A卡了。

毕竟忍了这么90分钟，我的诚意绝对是感动上天，震撼九霄。

我以为舞剧电影就是录一遍高清的放出来呢，没想到是如此稀烂的剪辑，PPT的背景，随机生成的运镜，反复横穿的次元。

整出来这玩意的人是从没有在观众席上完整看过一遍舞台，连它好看在哪里都不知道吗，我天呐。

看完这个才知道翻拍不能叫毁原作，真正的毁原作是把原班人马拉过来陪你整一坨翔。

喊演员跑路演时得给人结算精神损失费吧？

而且这个神奇的电影总能给人新惊喜，你以为怼脸拍已经够不专业了吗？

你以为纪录片情景小品舞台剧一顿乱剪已经够违和了么？

大清洗，小裁缝牺牲，李侠最后发报，兰芬退场的镜头，好多的角度居然是冲观众席的！

台下满满一剧场的普通观众！

这哪怕再支个PPT档板呢！

这想表达什么呢我请问，人在做天在看，看策划脑子里进的水是吗？

我是没买到这一场的票啊，我要是买到了肯定告这破电影侵犯我肖像权，把我的名字在新闻里跟电波锁死！

猛蹭！！！

《永不消逝的电波》不仅是一部舞剧电影，更是一次穿越时空的精神洗礼。

对于我这个对主旋律题材并不特别敏感的人来说，这部电影却以其独特的叙事方式和深刻的情感内核，深深地打动了我。

影片中的李侠和兰芬，从并肩战斗的革命战友到深情相依的恋人，他们之间的感情发展自然且动人。

他们的故事，不是孤立的英雄主义赞歌，而是一群有着共同信念的人们为了理想而奋斗的缩影。

小裁缝的热血与稚嫩、老裁缝的隐忍与坚持，每一个角色的牺牲都显得那么沉重而又充满力量，他们用自己的生命诠释了“长河无声奔去，唯爱与信念永存”的深刻内涵。

电影的灯光和音效设计堪称完美，营造出的氛围让人仿佛置身于那个动荡的年代。

雨滴落下的声音逼真而紧迫，每一次枪响都让人心跳加速，鲜红的灯光映衬着危险的气息，让人不自觉地紧张起来。

这种沉浸式的观影体验，让我第一次感受到了语言的贫瘠，因为任何文字都难以准确描述那种直击内心的震撼。

舞者们通过身体语言，在明暗之间传达出时空交错、非线性叙事的画面，这种表现方式甚至比经过技术重建的电影更加生动和真实。

在恢弘沉重的音乐声中，我被深深地打动，眼泪不自觉地流淌下来。

《永不消逝的电波》不仅仅是一部艺术作品，它更是一次对历史的回顾和对革命精神的致敬。

李侠虽然没能等到中国的解放，但他的信念和爱却通过兰芬和他们新出生的孩子得以延续。

这部电影让我深刻地感受到了革命先辈们为了理想和信念所做出的巨大牺牲，也让我更加珍惜当下的和平与安宁。

最后，我要感谢这部电影，感谢李侠、兰芬以及为革命牺牲的无数同志们。

他们的故事将永远激励着我们前行。

有幸观看了舞剧电影《永不消逝的电波》的“致敬场”观摩活动，地点在美琪大戏院，一进门就看到现场布置了旗袍和李白家书，氛围感一下子就有了。

舞剧固然有令人赞叹的舞段，但真正吸引我的，是其作为完整剧作的叙事手法和对人物情感的精准描绘。

非舞蹈部分的肢体细节，为角色注入了丰富的内心世界，让每一位角色都鲜活起来，不再是简单的舞台符号。

每次观看，我都选择将注意力集中在一个角色上，总能发现新的故事线索和情感表达，这种体验让我倍感满足。

此次观影，电影院的硬件设施也为带来了极佳的沉浸体验。

音响清晰，无杂音，舞台高度适中，座位宽敞舒适，让我得以全身心地投入到剧情中。

兰芬和女特务在裁缝店对峙的那一段戏，氛围紧张惊险，舞蹈演员们的表达非常棒！

我能够清晰地看到角色的微表情，听到他们在紧张、难过或喜悦时的呼吸声，以及节奏精准的舞步声。

这样的外界条件加成，让我仿佛置身于一个真实而动人的世界。

去年观看舞剧时，我曾对自己的观察力颇为自信，能够捕捉到人物的行为动机和情感表达。

但今年再次观看舞剧电影，我依然能从中发现新的信息，这不得不归功于台上舞者们的精湛技艺和深刻理解。

他们用自己的身体语言，将角色的情感和故事展现得淋漓尽致，让我为之动容。

先上观点：作为电影不及格，导演属于我直接避雷的程度电影爱好者和舞蹈生对这部电影是否应该出现观众褒贬不一首先，这是一部能透过稀巴碎的镜头语言感觉到原版舞剧应该是非常好看的电影。

其次，镜头语言是时有时无的，第四面墙是要打破的，安全出口出来的一瞬间幽默到令我笑出了声。

不可否认，剧情镜头和舞剧衔接有部分是很巧妙的(是否是原版自带的编排存疑)但是和全片稀碎的镜头比起来真的太少了。

令我非常费解的三次打破第四面墙的意义在哪里？

疯狂的越轴和乌泱泱的剧场人头，这镜头好看吗？

舞剧演员的身姿好看吗？

明明有更好的打破第四面墙的方式，这都不愿意认真打磨吗？

而且分离前夕男主捂嘴女主那一段，这段谁编排的？

很不适的镜头表现手法，那么多种表现个人情怀和家国使命的手法你非得把女主塑造成一个歇斯底里的女人吗。

电影中不需要出现观众来打破电影的平衡，不应该由导演扯着我们去欣赏“你看，多悲壮啊！

你该鼓掌了！

”当电影爱好者被镜头创的稀巴碎的时候，舞蹈生从另一个角度(从业)提出了她们的想法“观众是舞剧中的一个重要组成部分，出现观众是一件再正常不过的事，不加观众那你为什么要叫舞剧电影呢？

”“我认为这部剧降低了大众对于舞剧的观演门槛”回到标题，也许舞剧中观众是不可或缺的组成部分，但是电影艺术，真的需要频繁打破第四面墙出现观众吗？

对于电影来说，买票去电影院的我们，才应该是观众吧。

着重一提，电影主演跳的非常好！

跳舞部分的编排完全没有任何问题！

总之，电影《永不消逝的电波》是一部普通电影爱好者去看会如坐针毡，骂骂咧咧的的作品，但是对于对舞剧感兴趣纯看舞蹈还算对得起票钱的作品。

电影版放大了演员的表情，一些设计绝佳的微动作，还有背景的渲染效果。

我看现场版舞剧坐在山顶，背景看不太全，印象不深，不记得是否原本巡演到我市的舞剧就有这么绝美的背景。

背景美到我看小裁缝死后，因为有了孩子使两人振作起来那段双人舞格外热烈，在履行情报员的使命的同时，他们还有夫妻的使命、身为人的使命要履行，看起来幸福得简直不合时宜。

小裁缝分别和李侠、老裁缝的双人舞也有电影版的优势，而且似乎是采用了练习室的实拍？

并非舞台的空白感完美对应了梦境与天堂。

小裁缝背对镜头，面向舞台观众的道别，也让电影观众带入了他告别人世的遗憾。

从银幕看，舞剧本身服装非常出色，旗袍在演员舞动时的柔美与潇洒让人怎么都看不够；近距离能看到服装的材质也非常好，特务们连帽风衣的质感、他们折返之际敞开的风衣角让缝隙紧迫得无法呼吸。

旗袍的面料，演员旗袍的颜色对比，都对塑造人物有很大助益。

这次看还觉得电波的舞蹈题材非常丰富，展示生活常态的群舞，轻松得分的老上海社交舞，反派的独舞，亲密的双人舞，对抗的双人舞等等。

感觉舞蹈演员都会玩得很开心！

但是，我觉得特别遗憾，电影版破坏了舞剧本身抽象的美感。

其一，在舞蹈中插入舞蹈演员，主要是两位主演新拍摄的对戏片段，打断了舞蹈，而且跳过了观众从抽象的舞台艺术得到具体的感受、具体的结论的过程，把答案摆你脸上了，生怕你看不懂。

对舞台艺术实在是缺乏信心！

其二，改动了舞蹈的前后顺序，为了迎合电影版的叙事，虽然不频繁，但会把一个舞蹈的镜头剪到后面的地方去。

比如在两位主演的双人舞中，突然一切镜头他们就换衣服了，好像也不是刚才那段舞了，也破坏了上面所说的衣服的叙事效果。

其三，拿掉了两个出色的舞台片段。

一个是裁缝铺被抄片段，李侠逆转时间寻找死去的老情报员留下的线索，同时舞台另一侧有兰芳识破假扮人力车夫的特务、为求自保杀死特务，两段紧张的表演本应是同时在舞台展现的。

另一处是夫妻二人回忆相识，从战友到萌生情谊的经过，舞台上是多对男女演员表演两人感情不同阶段，这里也没有在电影里体现。

恶意揣测是电影导演发现不可复制。

其实电影版忠实地展现舞剧的全貌，就是完美的了。

不过也就是一张电影票钱，能部分体验到本有时间、空间限制的极其出色的舞台艺术，也是一种福音了。

对没看过舞剧的人还是推荐的，看完电影版争取看现场版。