爱乐之城

爱乐之城，镜头行云流水，音乐原创动听，舞蹈如梦似幻，叙事节奏适中。

导演达米恩·查泽雷的上部作品《爆裂鼓手》，给了人很大惊喜。

而此次《爱乐之城》，可谓返璞归真之作。

情节虽然有点老套，却让人感动成狗，近年来最喜欢的电影，好似中了一记回忆杀。

看《爱乐之城》，你想起了谁？

谁又把你想起？

被本片打动的人，都是有故事的人。

在追逐理想的途中，辜负了良人，也被良人所辜负。

共鸣一：小城青年的逐梦之路。

来自小城的你，来自小镇的她。

为了所谓理想，远走他乡，来到陌生大城市。

两人相遇，相知，相恋。

如果不在洛杉矶，就算在北京，就算在上海，也一样感同身受。

被追逐梦想的情节所打动，这是一种普世情感。

潦倒的爵士乐钢琴家遇到落魄的服务员兼龙套演员，同是天涯沦落人。

彼此吸引，谈吐默契，塞巴斯蒂安坚持做复古爵士乐，却饱受白眼，连一份稳定的工作都没有。

米娅从法学院辍学成了咖啡服务员，各个剧组面试，却处处碰壁，两人相依为命。

最打动人那段，莫过于讲述姑妈在巴黎的故事：“但她说，要重来，她还会跳一次。

”面对理想，哪怕窘迫，也不放弃，像极了在北上广深打拼的你们，惟愿求仁得仁。

所谓共情，每个人都差不多。

逐梦之路遇到的艰辛，用歌舞的形式缓缓道来。

音乐和舞蹈串起了情感往事，梦幻却不浮夸。

本片致敬了很多经典歌舞片，有着诸多迷影元素。

开头在汽车旁边的歌舞致敬了法国女星凯瑟琳·德纳芙的《柳娇花媚》以及1980年的《名扬四海》，高司令绕着电线杆跳舞那段则致敬了吉恩·凯利自导自演的《雨中曲》，幻想中的巴黎那段致敬了《一个美国人在巴黎》，两人身着晚礼服跳舞那段则致敬了弗雷德·阿斯泰尔的《百老汇旋律1940》。

共鸣二：离别发生在理想实现的前一刻。

冬春夏秋，依偎度过人间四月天。

而生活却难逃柴米油盐酱醋茶，琐事谋杀了激情。

有个镜头，记忆深刻。

米娅给妈妈打电话，谈论到男友，没有稳定的工作和收入。

塞巴斯蒂安听到此话，看到漏水的天花板，瞬间决定妥协。

成长速度不一样，甜蜜变成了负担，情话变成了争吵。

米娅因为塞巴斯蒂安爱上古典爵士乐，他却进了流行爵士乐队。

台上的他假装投入，台下的她被人群挤向外缘。

电影的情感，细腻到极点。

很多人可以共患难，却不能同富贵。

塞巴斯蒂安错过米娅的话剧演出，米娅责怪他放弃做爵士乐俱乐部的理想。

哪怕再穷困潦倒，两人可以为了爱情去妥协物质，可是理想却不能妥协。

只能好心分手，彼此成全。

从冬天走来，在秋天分开，离别发生在理想实现的前一刻。

我永远爱你。

我也永远爱你。

共鸣三：忽然出现，在街角的爵士乐店。

几年之后，功成名就，一个成了爵士乐俱乐部酒吧老板，一个成了电影明星。

越过事业的山丘，却没有彼此等候。

实现了梦想，却没有在一起。

最后那段蒙太奇，实在太过浪漫美好。

只看了彼此一眼，却幻想着很多年的故事。

想象着多年前在餐厅相见，两人没有擦肩而过，而是彼此相吻。

没有错过话剧演出，也没有分手，两人一直甜蜜相恋，最后结婚生子。

镜头闪回，而这一切不过是南柯一梦，很辛酸但却足够现实清醒的结局。

此情还可待，经年却不再。

很理解米娅最后的选择，如果说塞巴斯蒂安是炙热动人的红玫瑰，那她老公则是恬淡清丽的白玫瑰。

朱砂痣再怎么难忘，终究不过是往事。

而白月光，才是面前所有。

珍惜眼前人，而前任已成往事，最多只是默默祝福，不过一句好久不见。

电影场景设置精致优雅，好莱坞经典片场镜头再现，落日的码头，璀璨的银河，如梦似幻。

配乐延续了前作《爆裂鼓手》的高质量原创表现，《Another Day Of Sun》，让人瞬间代入洛杉矶的追梦之旅。

《City Of Stars》词曲悦耳，与画面相得益彰。

演员表现方面，艾玛·斯通贡献了影后级别的演出，石头姐无论是歌唱，还是舞蹈，都是上乘之选，情绪台词都拿捏的很到位。

瑞恩·高斯林则成了绿叶，弹钢琴的样子简直性感到炸裂。

两人在《疯狂愚蠢的爱》、《匪帮传奇》之后，再次出演情侣。

这次的经典情侣形象，很能代表好莱坞的逐梦人形象。

配角方面，也颇为出彩。

多次夺得格莱美奖的音乐人约翰·传奇，这次出演了乐手基思，因为音乐理念与高司令相违背，两人相爱相杀，最终共组乐队，算是本色演出。

在《爆裂鼓手》获得奥斯卡最佳配角之后，光头老师西蒙斯这次出演餐厅老板，戏份虽然不多。

但光头佬把高司令损的够呛，刻薄形象入木三分。

等闲变却故人心，却道故人心易变。

而放手和成全，有时却是不得已而为之。

他们唱着《City Of Stars》的模样，如此美好，眼神里充满对彼此的爱。

有些悲伤却足够温暖的故事，触动了多少人的往事，让人欢喜让人心碎。

谢谢电影给了我们一场好梦，把所有私密的情感回忆都放在梦里。

而醒来，仍然得独自前行。

———————————————————个人微信公众号：cmf2015 ，也许有点逗，还有点贫嘴。

聊聊影视，写写故事，讲讲话剧，动漫游戏，不定期送电影周边。

文艺有趣可兼得，酒逢知己么么哒。

1/24/2017更新：14个奥斯卡提名，在最佳影片的争夺中持续处于领跑地位。

已经有不少人开始抱怨这部电影过誉了，但我依然认为这是2016年的最佳作品！

希望大家会喜欢我的这篇影评，坚持看到最后会有彩蛋哦！

喜欢的朋友求点一下“有用”帮顶一下呗 :) （不知道为什么点“喜欢”没有顶的作用…）1/25/2017更新：我知道大家已经可以在网上找到熟肉了，但情人节上映的时候还是希望大家能进电影院去再看一遍，而且最好是跟喜欢的人一起去。

毕竟大屏幕和好音效对于这部电影来说分外重要，我相信大家也会觉得这是值回票价的。

至于是否需要看IMAX，因为画面比例的关系，其实普通的电影院就可以了。

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2016带走了太多人，包括凯丽•费雪和她的母亲黛比•雷诺斯2016是一个很奇怪的年份。

世界看起来更不和平了——贯穿全年的恐怖事件让人觉得分外不安全，甚至在年关将至时还在世界各地发生着各种恐怖袭击。

但回想起近几年来层出不穷的那些让人不寒而栗的悲剧，我们似乎还是可以麻痹自己，假装习以为常，保持镇定。

世界变得更分裂了——先是年初的英国脱欧，再是年底特朗普当选美国总统以及后续不断发出有争议性的言论。

不过无论这些大事件是多么违背所谓的真善美价值观，所有的看法总有另外的一面，因此总有与我不尽相同的人享受着这些大事件的发生。

况且对我们来说这些事件的影响可谓是微乎其微，因此又有什么好抱怨的呢。

世界也继续失去更多深受爱戴的伟人——从英年早逝的“王子”普林斯到体育界公认“最伟大”的穆罕穆德•阿里。

但最让人伤感的莫过于在年末最后的几天内我们接连失去了星球大战的公主莱亚饰演者凯丽•费雪，以及她的母亲，那个以《雨中曲》名垂青史的黛比•雷诺斯。

但死神是不会翻查日历的，每年逝去的伟人也是数不胜数，因此这或许也并没什么好大惊小怪的吧。

当然，可能对我来说最重要的，是2016年的电影似乎也没那么好看了。

在超级英雄大片和翻炒横行的2016，稀缺的成功原创作品让我感到了不少的失望。

《超人大战蝙蝠侠》和《自杀小队》（我的影评：https://movie.douban.com/review/8027446/）到底有多不好？

我说不清楚。

带着所谓政治正确的标签在年初名声大振却实则质量一般的《一个国家的诞生》跑赢在我看来上半年的最佳《瑞士军刀男》（我的影评：https://movie.douban.com/review/7984389/）以及肯定会在奥斯卡上有所收获的出色作品《海边的曼彻斯特》（我的影评：https://movie.douban.com/review/8370485/），在年初的圣丹斯电影节上斩获最高奖，也让我觉得真心的莫名其妙。

而在经历了一个近年来最烂的暑假档后，各大媒体终于迫不及待地开始讨论电影是否已死，超级英雄片是否正在毒害电影界（我的答案当然是否定的，但这是一个需要分开讨论的问题，不在此展开）。

至少对我来说，2016肯定不是一个最好的年份——姑且称它为一个让人疲惫不堪的失望年份好了。

2016......真的是让人觉得疲惫不堪的年份所以当我拖着疲惫不堪的状态进入9月份的时候，当我得知期盼已久的《爱乐之城》在威尼斯赢得满堂彩的时候，我迫不及待地来了一场说走就走的旅行。

对于大多数人来说，旅行的意义在于观光，但对于我来说，这场说走就走的旅行仅仅是为了呼吸一下科罗拉多新鲜的空气（大麻味？

……），以及在特柳赖德电影节抢先观看这部特立独行的电影罢了。

达米安•沙泽勒的前作《爆裂鼓手》相信影迷们再熟悉不过了。

这部在我看来2014的最佳作品，虽不完美，却充满了火花和能量，甚至让人在观影后感到不自觉的亢奋。

我还记得当年我先后6次进电影院跟不同的朋友去观看这部电影，就像是为了这剂会上瘾的兴奋剂一般。

我大概只是需要去感受那最后20分钟的澎湃以及电影结束后观众们的热烈欢呼声吧？

也正因为这样，我说走就走地去看《爱乐之城》，应该也只是希望沙泽勒能在这个羸弱的2016给我同样的那种兴奋剂般的感觉而已。

在特柳赖德上，《爱乐之城》毫无疑问地赢得了当时包括我在内所有在场观众的心，甚至在播放期间就收获两次欢呼。

这部在威尼斯打响第一炮后回到美国的影片，看似反好莱坞，却又再好莱坞不过。

它是那么的反好莱坞——没有任何原始素材的音乐剧在当今的大制作人手中几乎是不可能被搬上大荧幕的。

谁让年轻人们都不怎么喜欢音乐剧呢，更何况就算有百老汇耳熟能详的歌曲作为铺垫的改编电影也不见得能做得多好，比如几年前的《悲惨世界》就是一个不太成功的例子。

所以编剧兼导演沙泽勒竟然能用6年的坚持把这么一部电影奉献给影迷们，实在是奇迹而又反好莱坞的一件事。

但它又是一部再好莱坞不过的电影——镜头下华美的洛杉矶，俊俏得过分完美的男女主角，以及那甜美而苦涩的爱情故事，无不是好莱坞电影最让人熟悉不过的元素了。

它是那么的好莱坞，以致于当那硕大而怀旧的圆体The End出现在荧幕中，当Made in Hollywood（好莱坞制作）毫不掩饰地出现在观众的眼前时，我一点都不觉得有违和感。

而这份好莱坞感，这份沙泽勒所极力营造的感觉，除了给我那期待已久、似乎在2016无法感受到的兴奋外，更多的还是一份感动。

《爱乐之城》——毫无疑问的2016最佳都说《爱乐之城》是对追梦人的致敬，是对洛杉矶的情书。

这些对本片最直观却动人的解读，加上那绚丽华美却不失现代感的音乐剧内核，以及欠缺佳作的2016年前9个月，让我迅速爱上了这部电影（我当时的影评：https://movie.douban.com/review/8096042/），甚至认为这是明显的年度最佳。

但2016年是后劲十足的——包括《月光男孩》（我的影评：https://movie.douban.com/review/8159907/）以及《海边的曼彻斯特》在内的一众独立电影作品让人对电影界不至于失去信心，也让《爱乐之城》显得没有那么的完美。

更让我揪心的则是经过了特柳赖德时的蜜月期后，这部电影在我脑中开始慢慢显得不那么经得起推敲了。

它是那么的独特而让人喜爱，却又是那么的充满缺点——略显单薄的人物设定，尽是俗套的剧情，以及那华丽但看似缺少主旨的结尾，都让它显得那么的欠缺。

当我进行年末回顾时，纵观2016我所看过的电影，它在电影技术层面上不及《月光男孩》和《小姐》般完美，在情感深度上不及《海边的曼彻斯特》般深沉。

我甚至开始怀疑9月时对它那过度兴奋的反应是否仅仅是因为太久没看过好电影而失去了应有的批判性罢了。

然后，12月来了，《爱乐之城》终于开始了大范围的上映。

我决定再次走进电影院，这次带上批判性的眼光去重新审视这部电影。

128分钟后，我似乎再次失去了所谓的这种评判性的眼光，失去了客观看待这部电影的冲动以及能力。

于是我走出电影院，又买了一张票，再次去经历第三次128分钟的兴奋和感动。

当我再次走出电影院时，在夜半寒风中行走的我，虽然既没看过在戛纳名声大振的《托尼•厄德曼》，也没看过马丁•斯科塞斯历经二十多年等待所制作的《沉默》（已看，我的影评：https://movie.douban.com/review/8289410/），以及还有更多更多的2016年影片没有观看，但我心目中的年度最佳却从来没有这么清晰过。

再看《爱乐之城》，它依然是我心目中毫无疑问的2016最佳。

瑞恩·高斯林和艾玛·斯通所饰演的主角情侣可谓光芒四射都说爱容易迷糊视线，我大概也不能太客观地阐述为何我那么喜爱《爱乐之城》。

我爱《爱乐之城》，可能是因为它是一部充满灵魂，充满性格和活力，充满爱的电影。

它把我多年来都无甚好感的洛杉矶拍成了如梦般的天堂——无论是把那为人诟病的堵塞交通拍成五彩缤纷的色彩炸弹，还是把毫无生气的半山幽径拍成男女主角眉来眼去的踢踏舞场，抑或是把格里菲斯天文台这种充满理性气质的地标建筑换妆成全紫色调的约会地点，都给予了我无法言喻的浪漫感觉。

也正是这种浪漫感觉，让作为观众的我们能明白开场戏中的一众追梦者们当年是为何被这座城市所勾引的。

我爱《爱乐之城》，还可能是因为它那对已逝去的好莱坞的各种怀缅与致敬，以及它试图以一种现代的方式去照应那些经典的桥段。

当艾玛•斯通所饰演的米娅面试失败后垂头丧气地走入复古风的公寓累瘫在床上时，一幅硕大的英格丽•褒曼画像挂在她的床边，这当然让喜爱老好莱坞片的影迷们欢心不已了。

而《卡萨布兰卡》在片中不断地被引用，除了让更多的观众明白导演沙泽勒对老好莱坞的喜爱之外，似乎还有着更深沉的含义。

当然作为音乐剧，少不了的还是对一众经典的致敬——无论是以色彩斑斓的服装对沙泽勒的挚爱《瑟堡的雨伞》进行致敬，抑或是傍晚时两位主角迷人的踢踏舞对《雨中曲》的效仿，都那么地让怀旧的影迷们觉得格外舒心。

我爱《爱乐之城》，还因为它那值得一听再听的配乐。

在怀旧的同时，沙泽勒没有选择强行把台词以歌唱的形式展现在观众面前，而是让歌声出现在该有的地方。

这也是为什么作为音乐剧的它真正乐曲的数量却并不庞大的原因。

但数量上不去，质量却不会下来。

同为《爆裂鼓手》配乐的贾斯丁•赫维兹，这位沙泽勒在哈佛的同学兼挚友，谱写了一众让人难忘的旋律来打动观众的心灵，更是在随后的剧情中不断进行不同旋律的混搭。

当我们意识到音乐不仅是《爱乐之城》的签名，更是述说主角们喜怒哀乐的工具时，我们也多多少少能明白为什么歌曲大多出现在电影的开端——因为米娅和塞巴斯蒂安都还处于两情相悦的甜蜜期，因为他们还置身在与现实不相符的幻境之中。

但当他们的关系急转直下时，当他们回到残酷的现实时，那些悦耳的歌声也悄然离去了。

只有在最后他们试图逃离现实，去幻想“如果”和“本可以”时，由之前那些动人旋律所组成的乐章才再次奏起，让观众们为他们感到甜蜜与悲伤。

对于这些充满性格的配乐歌曲，就连饰演男主角的瑞恩•高斯林也说道：“我不应该再重复去听这些配乐了，但这些旋律却依然感动着我。

”当然，《爱乐之城》让我如此喜爱，还因为它有着这一对钻石般耀眼的男女主角搭配。

这大概是当今荧幕上最过分美丽却又让人觉得无可厚非的情侣搭档了吧？

无论是瑞恩•高斯林俊朗外表下的幽默感，还是艾玛•斯通那双大得让人不敢相信的眼睛下迷人的笑容；无论是高斯林苦练数月后那游刃有余的琴技，还是斯通完美诠释的最后那段感人的歌声；无论是他们两个在霓虹色的晚霞照耀下合拍的舞步，还是他们两个最后那让人惋惜的四目对视。

这些都无不让观众们感受到这两位演员作为影星所散发出的光芒，让人不能自已地对他们所饰演的角色产生喜爱。

从某种意义上说，我们观看电影是为了置身于一个脱离现实的幻境中。

而缺少了这对应性耀眼的光芒，大概我们也很难说服自己去脱离现实，而《爱乐之城》大概也会因此逊色不少吧？

应该说沙泽勒是走运的，因为他能使用这两位充满个人魅力的演员去诠释他笔下的角色。

试想一下如果主角们换成最初的迈尔斯•泰勒（《爆裂鼓手》男主角）和艾玛•沃特森（《哈利波特》中的赫敏）来饰演的话电影会变成什么样，我反正是无法想象……

怀旧的导演兼编剧达米安·沙泽勒 但我最爱《爱乐之城》的原因，大概是除了对洛杉矶和追梦人的致敬之外，它还是对电影迷们的一封不折不扣的情书。

当Cinemascope（一种五六十年代的老旧镜头样式）的字样随着画面的拉宽清晰出现在我的眼前时，当黑白的荧幕图标渐渐被那Technicolor（一种二十到五十年代时好莱坞使用的颜色处理方法）般泛黄的颜色替代时，我作为一个纯粹的电影迷感到了前所未有的感动。

在大多数人都讨论着4K和高帧数的今日，当IMAX那锐利得没有死角的画面不断给观众们带来更真实的感觉时，我却为眼前的这幅与时代不相符的柔和画面，这幅在角落里不时能看到那不完美黑角的画面而鼓掌喝彩和无比感动。

沙泽勒是一个怀旧的人。

自然而然地，他笔下的角色便也是怀旧的人。

女主角米娅害怕自己的舞台剧过分怀旧而不受欢迎，但犹如是沙泽勒替身的男主角塞巴斯蒂安则跟米娅说：“怀旧才是重点啊！

（如果观众们不喜欢怎么办？

）去他们的！

”当然，《爱乐之城》的这种怀旧还体现在它作为音乐剧的身份上了。

在这个所谓IP作品横行的世代，毫无前身的原创作品要有上佳的质量可谓难度不小，而原创的音乐剧更是难上加难。

但沙泽勒为了向他的最爱——法国新浪潮导演雅克•德米的音乐剧《瑟堡的雨伞》致敬，6年来不断改进《爱乐之城》的剧本，终于在《爆裂鼓手》后得到机会完成自己的心愿，把音乐剧以一种现代的形式展现在观众面前。

可以说，从第一幕开始，观众们就能感受到这部音乐剧的与众不同了。

它不会为自己音乐剧的身份向观众道歉，因为正如塞巴斯蒂安所说的一样，沙泽勒不在乎观众们的意见，他只是执着地想完成自己的梦想罢了。

但要不喜欢这部电影，大概是不可能的吧？

从第一幕那将要成为经典的高架桥群舞长镜头（实际上是三个分开的片段在后期制作时接到一起的）开始，观众们应该不难感受到沙泽勒的野心，以及配得上这个野心的能力。

贯穿影片那充满能量的镜头语言犹如电影中另一个重要的角色一般，充斥着自己的性格。

它时而活泼而灵动，比如上面提到的开场片段；它时而惶恐不安，比如男女主角在餐桌上吵架后手持画面的不断抖动；它时而有条不紊地为观众们展开兴奋的幻想，比如末尾的蒙太奇。

而另一个重要的角色，则是电影中光与影的使用。

随着角色情绪调整的光线在制造了唯美画面的同时，更是让影片的梦幻感更上一层。

它仿佛不断地告诉观众，欢迎来到这个与让人憎恨的现实所不一样的地方。

关于2016，我会记得《爱乐之城》所带给我那最纯粹的感动这封对老电影以及影迷们的情书，大概在电影中秋季的最后一幕达到了高潮。

当米娅完成最后那个动人的试镜，当塞巴斯蒂安跟她深情对视时，他们互相与对方说的最后一句话是“我永远会爱你的。

”这像极了那句《卡萨布兰卡》中名垂千古的经典对白一般，让人回味无穷。

正如七十多年前亨弗莱•鲍嘉所饰演的里克与英格丽•褒曼所饰演的伊尔莎那句标志性的道别“我们将永远拥有巴黎的回忆。

”一般，塞巴斯蒂安与米娅在道别时都明白，无论他们的将来如何，他们都会有着这一段不可磨灭的La La Land回忆。

而我，也不会忘记在2016年观看《爱乐之城》时那纯粹的欢乐和感动。

因为那五彩缤纷而怀旧复古的画面而欢乐，也因为那在梦想前愿意放弃所有的勇气而感动。

大多数人都认为《爱乐之城》的结局是甜蜜而苦涩的——明明相爱的两人终究不能走到一起，而只能在一首歌曲的有限时间内幻想在另一个时空的他们如何快乐地生活着。

但在我看来，痛并快乐着，似乎才是更好的解读方式。

他们当然要为自私地追求梦想而不能相宿相栖而忍受着一辈子的痛苦了，但也正是这种自私让这两个角色更靠近生活和打动人心。

或许这才是更合理的结局吧？

米娅和塞巴斯蒂安在翩翩起舞时是那么的动人，但在电影的其他时候却失去了那种光辉，甚至用言语批判对方的追梦是一种罪。

就算是结尾的蒙太奇也不能给予他们最完美的结局——在米娅成名的同时，塞巴斯蒂安也只能在身边放弃他的梦想了。

这个世界不是完美的，即便是Technicolor渲染下的《爱乐之城》也不是完美的，所以他们为了梦想有所牺牲的这个结局才是最合理，也是最深刻的。

当然，为《爱乐之城》感到快乐的除了我和众多的观众之外，必不可缺的还有沙泽勒这位天才。

“电影在过去的这个世纪里被制作成反映现实的媒体，但音乐剧以感情的名义打破了这种现实性。

而这，是美丽的——当你足够地为这个世界感触时，你会为之而歌唱。

”沙泽勒这么说道。

而有多少观众在观看《爱乐之城》后会因为被其触动而希望舞动着走出电影院，希望高声歌唱来表达自己的快乐呢？

相信肯定不止我一个吧。

当我回看2016年时，我会回想到文首提到的那些让人沮丧的事件和情形，我会怀缅那些为我们带来美好回忆但不得不说再见的伟人们，我还会为那些让人失望的电影而感到厌恶。

但我同样会记得，在这个全世界都承受着莫大痛苦的2016，《爱乐之城》为包括我在内的万千影迷观众们带来的那亟须的快乐。

在这个传统的美好似乎与现实格格不入、似乎随时都要被更不合理的事情所取代的年份，《爱乐之城》证明了那些所谓的高新技术在充满灵魂的电影制作面前是那么的渺小。

而这，正是《爱乐之城》成为我心目中毫无疑问的2016最佳的原因。

-最后，再用一张海报来解释一下为什么这是2016年的最佳作吧！

《爱乐之城》，又名《现实大逃脱》:)

想不通，这样一部埋汰文艺青年尤其是文艺女青年的电影，还真有人看得稀里哗啦的。

请问各位妹纸，你们真的看懂了么？

对比男主角剧中的男主塞巴斯蒂安，剧中很多的细节都透露出这俩人根本不是一路人，尤其女主米娅，就是个大写的绿茶啊！

1.开场，男女主角在拥堵路上的偶遇。

男主开的是一辆美产老爷敞篷车，车载的音响还是磁带，男主不停地在倒带。

而女主开的是一辆日产丰田。

通过开什么车这个细节，编剧想透露的信息是男主是一个具有强烈浪漫主义情怀的文艺青年，而女主则是一位实用主义者。

注意，在很多美国电影中，开日本车，尤其是满大街的那种便宜货，是被誉为不具有“美国精神”的败类，象征着只求实用而不讲情怀和立场。

所以，在后面的一场戏中，米娅让塞巴帮她去泊车处拿车钥匙，有个细节就是塞巴说“好多丰田钥匙，不知道哪个是你的。

”与之相比，塞巴开的敞篷车则是独一无二的，同时也象征着塞巴的性格：保守、坚持、情怀。

所以仅通过汽车这个细节，编剧就向观众释放一个信息，男主和女主不是一路人，一个是梦想家，而另一个是实用主义者。

2.说道女主的实用主义，片中还有一个细节。

就是当女主第一次试镜失败回到出租屋的时候，大家看到这是一个合租屋。

选择合租的目的只有一个，就是便宜，因为女主没名也没钱。

但请大家注意，同样没钱没名的男主塞巴，却是一个人居住。

什么样的人即便手头拮据也要一个人住？

很多人不是因为不合群，而是因为他们看重空间的独立性，这是内心执着的一种外化表现。

而女主则不同，她非但跟人合租，而且还在没有跟室友打招呼的情况下借穿了她的蓝色礼服，就是四个女生去party路上跳舞穿的那件。

相比之下，塞巴连一把别人送他、具有意义的木椅都不让人轻易坐，最后还供在自己的酒吧里。

这里也体现出了两个人性格和价值取向的迥然。

3.还有一个细节，就是当米娅勾搭塞巴的时候，其实米娅是有男朋友的。

就是那个有个土豪哥哥空降一起陪吃饭的格雷，最后米娅为了和塞巴看电影撇下一桌子人跑了。

明明有个高富帅的男朋友，还跑去勾搭塞巴这样的男文青，只能奉上一个字——作。

其实现实中，很多女的在年轻的时候都喜欢作。

觉得身边的男朋友条件也还好，但就是无趣、没共同语言。

于是，当突然出现一个魅力满满的文艺青年或大叔的时候，就立马春心爆棚，感觉自己不作一把爱情不够浓烈，青春太过苍白。

但这样的女生爱的并不是这个人，而是她们未曾经历过的一种体验罢了。

说白了，米娅是觉得塞巴这样的男生有趣，没试过，于是那种强烈的新鲜感和占有欲支配者着她要和塞巴来一把！

可怜的塞巴。。。

4.塞巴起床，听见米娅和妈妈打电话，说塞巴目前还没有稳定收入之类巴拉巴拉。

我在这不禁要问，确信米娅不是故意让塞巴听到的？

因为效果很好，受到刺激的塞巴傻傻地去加入原本不想加入的乐队。

为了赚钱，为了稳定的收入，为了让未来的丈母娘放心。

哦，可怜的塞巴……然而，真当乐队的演出获得成功，在台上的塞巴引得一群迷妹狂呼的时候，台下的米娅却黯然神伤。

为啥？

或是因为米娅觉得塞巴如果先自己成功，两人都是穷逼的平等关系就被打破，所以米娅才会因为不自信而带来的不确定感去伤心。

终于，米娅找了个“没时间陪我”的理由和塞巴大闹一场。

人家有时间的时候你嫌人家没钱。

人家去赚钱，你又嫌人家没时间。

请问这不是作是啥？

临走还不忘给人扣了个“你忘了你的梦想嘛”的大帽子。

5.最后，在塞巴的极力劝说下，米娅才抓住了最后的机会，飞往巴黎。

五年后，米娅功成名就，生活中再没有一丝塞巴的影子，俨然过着豪门贵妇的生活。

而在塞巴的生活中，米娅却一直存在。

包括当初米娅给他设计的酒吧logo，包括每天路过的街角墙上米娅的巨幅海报，包括看见台下的米娅，于无言中弹起那首两人相遇时的旋律……而此刻的米娅，在曲终后，起身对老公说“我们走吧。

”赶紧走，走得越快越好。

所以，米娅喜欢塞巴，是因为在她人生最低谷的时候，遇见了一个和自己命运相似却又充满趣味的男人。

塞巴爱上米娅，则是因为同样的命运中，遇到了一个能够理解自己梦想的女人。

只是，塞巴从没想过，其实米娅从一开始就没有喜欢过爵士乐。

塞巴单纯地以为遇到了真爱。

其实自己只是一个在特定时间、特定地点，被一个人需要的人而已。

文青们，都醒醒吧！

尤其是男文青们，还不赶紧找份有稳定收入的工作赚钱。

瞅瞅那些唱民谣的，最后有几个过得好的再见！

歌舞片已经不像它们在上世纪30至60年代那样普遍了，虽然每隔一两年我们还是能看到几部，但这些屈指可数的歌舞片大都在原地踏步，已无法恢复鼎盛时期的天真与烂漫。

此番《爱乐之城》能够脱颖而出，正是由于它返璞归真地采用好莱坞传统歌舞片的形式及法国导演雅克·德米(Jacques Demy)歌舞片的技法，去讲述一场通俗化的爱情故事。

从服装、歌曲到编舞都在创造一种怀旧的基调，使人怀念旧时的歌舞片。

不过它依然现代感十足，以免疏远当代观众。

对于歌舞片的探索精神也延伸至故事层面，就像《艺术家》(The Artist,2011)的默片形式，《爱乐之城》是用歌舞片的子类型（包括：传统的米高梅歌舞片、华纳歌舞片、大爵士及当代的乐队片、演唱会电影）在各段落相映成趣，有传承，又能带出类型演变，拥有历史底蕴的积淀。

它们同时又能服务于爱情主题，做到内外兼修。

导演达米安·沙泽勒深深知道如何保有过去的风格，还要朝前看。

男主角塞巴正是这样一种怀念过去好时光的乐迷，与当代那些杰出的音乐家相比，他陷入了一个尴尬处境——沉迷于对传统爵士之中，无法自拔。

片中组建乐队的塞巴同学（约翰·传奇 饰）对他说的那番话一语道破：“我知道，这不一样（指当代乐队），但你说你要拯救爵士，如果没人听，还怎么拯救？

因为你这样的人，所以爵士才在消亡。

你在灯塔咖啡屋对着90岁的老人表演，孩子们在哪里？

年轻人在哪里？

你执迷于肯尼·克拉克和塞隆尼斯·蒙克，这些人是革新者，如果你固守传统，怎么能成革新者？

你抱着过去不放，但爵士讲的是未来。

”这是话中有话，影片也在借爵士乐去诉说歌舞片的未来。

当代歌舞片不该默守陈规，应当在维系传统的同时去革新，使人呼吸新鲜空气，带来希望与荣耀，才能拥有闪烁、活泼的生命力，这才是它们曾经深受欢迎的原因。

相较于其他类型，歌舞片可能是最喜欢谈情说爱的，不同的是角色们都是能歌善舞的好手。

歌舞片也最仰仗公式化的创作套路，因此常被批评“幼稚可笑”。

这种看法，显然错失了用歌舞展现故事的魅力。

歌舞片难就难在控制故事与歌舞（音乐）的均衡，《爱乐之城》成功把歌舞融入故事，推动故事，替代对白。

不过在当今，能唱会跳又会演的明星几乎为零，高司令和石头姐都是非职业舞蹈演员，所以只能表演简单的舞蹈动作。

好在导演懂得用画面扬长避短，效果看起来仍然非常好了。

尽管不少技巧在前作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》和《爆裂鼓手》中也见过，但此番效果和语境已然不同。

当然，洛杉矶的城市载体也很突出。

剧作上，用四季比喻爱情、事业的不同阶段，探讨个人对它们的妥协与坚持，以及它们的无法两全。

两人其实是用爱情为彼此的事业（梦想）树立了信心。

用悲剧收场，避免了传统歌舞片对于大团圆爱情的天真描绘，那只存在于童话中。

最后幻想的大团圆结局是一面镜子，从现实抽离又关照着现实。

用歌舞表现幻想、造梦是歌舞片惯用伎俩，可以弥补遗憾，道出梦想与现实的落差，加深音乐的治愈能量。

自古歌舞片就喜欢幻想奇景，因为多数时候，它们都是角色内心世界的外化。

说到底，歌舞片的柔情梦幻与现实世界是格格不入的，这也是为什么歌舞片在60年代后期由街头巷尾走向高山草原，由矿场学校走向歌楼舞厅，部部大场面的自然主义歌舞片应运而生之后，逐渐走向下坡路。

因为触及真实，便会把它原来的浪漫本性毁灭殆尽。

所以现在我们在很多动画片中，并不觉得它们突兀的原因，如《冰雪奇缘》《海洋奇缘》《了不起的菲丽西》等。

我们都知道，《艺术家》并不能为默片带来复兴，《爱乐之城》当然也无法对歌舞片带来革命，它有的一种情怀。

简单、纯粹，每个节拍（场）、每个鼓点（幕）都能敲中听者（观众）的心。

让人进入一个美妙世界，忘却现实的种种，我想这就足够了。

当然，《爱乐之城》更是一场精心为歌舞片爱好者设计的迷影电影，编导还把自己对于爵士乐的一点小趣味也藏在其中，玩的不亦乐乎。

影片在模仿前人的姿态时，还能延续其精神，迷影、复古又革新。

下面回到我的常规套路中来，展开说一下藏在片中的陈年老梗。

我已经在脑（掉）洞（影）联（袋）想的道路上越走越远了，然而（不止本片）很多都得到了导演本人的承认。

ps:我给桃姐的时候是82个梗，晚上梦游时又补充了7个，剩下一个留着你们补充吧，最好给我强有力的论证。

1.

《爱乐之城》中的“西尼玛斯科普”

《圣袍千秋》中的“西尼玛斯科普”首先，《爱乐之城》采用了古老的西尼玛斯科普式宽银幕立体声电影(Cinemascope)，这是20世纪福斯于1953年推出的银幕系统，银幕比例是2.55:1，电影《圣袍千秋》(The Robe)由此成为第一部宽银幕电影，后来各大公司对于宽银幕的竞争激烈（此处省略一万字），使得《谍报飞龙2》(In Like Flint,1967)成为最后一部西尼玛斯科普影片。

算起来，《爱乐之城》还是时隔50年之后的回归。

“舞王”弗雷德·阿斯泰尔最后一部米高梅歌舞片《玻璃丝袜》(Silk Stockings,1957)有一首歌就调侃过：“这个时代想让观众进电影院光有明星已经不够了，还要有Technicolor、Cinemascope和立体声。

”《爱乐之城》用的是超35毫米胶片，配合潘纳维新 (Panavision)两倍压缩比变形镜头（左右略裁）仿2.55:1画幅。

所以我们在片头看到的是“Presented in Cinemascope”而不是“A Cinemascope production”。

开头的黑白+4:3“顶峰娱乐”的厂标结束后，画幅慢慢拓展成色彩斑斓的西尼玛斯科普式宽银幕，已传达了它的复古定位（国内院线版在“顶峰娱乐”之后还加入了香港某公司的厂标，实际上破坏了黑白4:3的过渡）。

2.3.

《纽约，纽约》影片纵向比较的参照对象是《艺术家》，理由上文已说明；横向比较是马丁·斯科塞斯的歌舞片《纽约，纽约》(New York, New York,1977)，那部片男女主角的身份是爵士乐手和歌手，同《爱乐之城》中爵士钢琴家、演员相似，同样围绕他们的爱恨交缠与人生困惑展开。

其实，无论是百老汇音乐剧还是好莱坞歌舞片，都喜欢让主角在爱与工作中找寻幸福，两个目标交织在一起更是驱动剧情的动力。

两部影片的共性还有很多，稍后再续。

4.9.

《爱乐之城》

《柳媚花娇》

《名扬四海》开篇那场一镜到底的洛杉矶交通阻塞，据导演本人证实，是从戈达尔的《周末》(Weekend,1967)、费里尼的《八部半》(8½,1963)片头和乔·舒马赫的《城市英雄》(Falling Down,1993)片头找寻的灵感。

但是人们纷纷下车起舞歌唱，是在呼应雅克·德米歌舞片《柳媚花娇》(Les Demoiselles de Rochefort,1967)的开场部分，让歌舞场面具有临场感。

这场戏也与德米的另一部歌舞片《瑟堡的雨伞》(Les parapluies de Cherbourg,1964)一样，所有对白都是唱出来的，好像他们生来就用歌声表达一样。

仔细看能发现，这场戏的歌曲应该均为幕后配唱，这也是遵循《瑟堡的雨伞》的特点，演员不会唱歌，由幕后配唱。

整场戏一镜到底（由三个镜头后期拼接而成）调度酣畅淋漓，充满活力。

雅克·德米歌舞片就是将场景置于实景中，轻快、时尚、朝气蓬勃。

当然，包括如嘉年华般的街舞、体操的融合，包括人们在车顶起舞，是借鉴了艾伦·帕克的歌舞片《名扬四海》(Fame,1980)。

《公园长椅上的盖伊和玛德琳》导演一直都是雅克·德米的死忠，在其处女作《公园长椅上的盖伊和玛德琳》开场，就能看到《瑟堡的雨伞》的印记。

《爱乐之城》顺便说，米娅挡住了塞巴的去路，结下一个小小的梁子是典型的好莱坞神经喜剧(Screwball comedy)的开场套路，引出冤家男女的相遇方式。

不少歌舞片也喜欢采取这种出场，比如《我爱马文》(I Love Melvin,1953)等。

10.

英格丽·褒曼是贯穿米娅灵魂的人物，米娅的卧室床边挂有一幅巨大的英格丽·褒曼海报，后被撤下。

在导演2013年完成的原始剧本中，其实有更多关于褒曼的故事：① 米娅公寓的海报对应结尾结婚之后新家的海报（正片中新家并未再出现）；② 米娅和塞巴聊天时有详细讲过《美人计》中被褒曼表演打动的细节（正片只提到了她的姑妈小时候带她去看过很多老电影，其中包括《卡萨布兰卡》和《美人计》）；③ 褒曼在DOS的第一次试镜，米娅给这个试镜做了旁白。

④ 播放《美人计》那段经典吻戏时，米娅念褒曼的台词与银幕上的男主角加里·格兰特互动。

结尾米娅还说了一句：“Here I am crying for a dead actress I never even knew. That’s L.A.”尽管正片中已经看不出褒曼这条线，但涉及她的点还是散落于各处。

11.

《爱乐之城》

《卡萨布兰卡》除去《纽约，纽约》，另一大致敬影片是《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)，这是导演有意为之的。

它虽不是歌舞片，主轴却有共通之处。

对白约有两次提到《卡萨布兰卡》，当米娅向塞巴介绍华纳片场时，指着咖啡馆外的窗户说那儿曾是褒曼和鲍嘉拍《卡萨布兰卡》(Casablanca,1942)的场景。

仔细看，还能看到窗下一家名为“Parapluies”的店铺（法文“雨伞”的意思），这里一定是导演有意为之，因为这又是一处小小的对《瑟堡的雨伞》的致敬，《瑟》片名也有“Parapluies”的单词，女主角家也是经营一家伞店。

《爱乐之城》

《卡萨布兰卡》《爱乐之城》最后20分钟充满深深的惆怅与遗憾，已经成家的米娅和丈夫偶然走进塞巴开的爵士俱乐部，他们各自实现了梦想，却与他们的爱情失之交臂。

当两人的目光交织在一起，正是《卡萨布兰卡》情节的再现。

“全世界有这么多城市，城市里有这么多酒吧（俱乐部），可她却偏偏来到了我这儿。

”《卡萨布兰卡》中是里克夜总会，里克不得不对他的命运做出一次抉择；《爱乐之城》是塞巴爵士俱乐部，也通过臆想的方式做出了命运的另一版结局，它从现实抽离却又关照着现实，是一面镜子，映出梦想与爱情、现实与童话的落差。

12.

《瑟堡的雨伞》最后一幕的错过与遗憾，也令人想起《瑟堡的雨伞》的凄美结局——多年后，已嫁做人妇的女主角在加油站见到同样已婚的男主角，但他们只能相视以对，默默离开。

13.

《爱乐之城》

《无因的反叛》中的葛瑞菲斯天文馆塞巴和米娅的约会电影是《无因的反叛》(Rebel Without a Cause)，后来米娅提议去葛瑞菲斯天文馆，不只因为可以在馆内看到“繁星”（呼应主题曲〈繁星之城〉），更因为那是《无因的反叛》高潮戏的发生地。

在影院看电影那场戏，刚好演到《无因的反叛》天文馆一幕。

14.《匪帮传奇》删减片段_腾讯视频石头姐和高司令之前拍《匪帮传奇》(Gangster Squad,2013)时，也有在葛瑞菲斯天文台拍过一段感情戏，不过最终成片被删掉了，可以在蓝光碟的删除片段里找到。

对比看来，颇有前世今生的感觉。

15.

《爱乐之城》

《无因的反叛》男女主角都穿过红夹克，红夹克也是《无因的反叛》中詹姆斯·迪恩的经典行头。

迪恩在片中演一个反叛青年，那件红夹克可以说是年轻、反叛的象征。

影片似乎有意把英格丽·褒曼视作米娅的精神符号，把詹姆斯·迪恩视作塞巴对于老电影的一种精神符号。

在《爱乐之城》开始，米娅经过好莱坞大道旁的《You Are the Star》壁画时，里面也有一个穿红夹克的詹姆斯·迪恩。

16.

《爱乐之城》

《无因的反叛》“繁星"在《无因的反叛》中的天文馆中也有出现17.

《爱乐之城》

《百老汇旋律1940'》在星空共舞的设计灵感出自《百老汇旋律1940'》(Broadway Melody of 1940,1940)中弗雷德·阿斯泰尔与埃利诺·鲍威尔共舞的场面。

百老汇舞台的美术置景仿若星空， 两人轻盈无瑕的舞姿更是置身星空。

18.

《曼哈顿》另外，需要知道的一点是——导演达米安·沙泽勒和摄影指导莱纳斯·桑德格伦(Linus Sandgren)都是伍迪·艾伦的粉丝（我甚至有理由怀疑导演可能也是单簧管手伍迪·艾伦的乐迷），这部电影你能看到很多深受《曼哈顿》(Manhattan,1979)影响的桥段。

包括两部片对于城市和爱情的描绘，让人感觉鲜活无比。

《曼哈顿》有一场戏就是伍迪·艾伦和戴安·基顿为了避雨躲进一个天文馆，有场对话戏也是在星空的背景前展开。

19.

《爱乐之城》

《曼哈顿》“冬天”之前那一幕，两人气定神闲坐在格里芬公园的长椅上，发现从未停下来欣赏过白天的景色，这又是一处致敬伍迪·艾伦《曼哈顿》的镜头，那里面伍迪也说从未真正欣赏过这里的风景。

20.

《爱乐之城》

《人人都说我爱你》再说飞天戏，伍迪·艾伦的歌舞片《人人都说我爱你》(Everyone Says I Love You)中也有歌蒂·韩腾空飞舞的镜头，不过两部片的最大共同点，恐怕还是用四季来代表叙事篇章了，只不过《人》没有明确用四季的标题来区别，但《瑟堡的雨伞》是分标题讲故事的。

21.

《爱乐之城》

《红磨坊》云层之上牵手共舞的场面可参考的对象是巴兹·鲁赫曼的音乐、歌舞片《红磨坊》(Moulin Rouge!,2001)。

22.

《爱乐之城》

《睡美人》星空中的翩翩双人舞是迪士尼动画片《睡美人》(Sleeping Beauty,1959)的再现。

23.

《爱乐之城》

《雨中曲》米娅和赛巴踱步到山上时，赛巴抓着灯柱开嗓无疑是《雨中曲》(Singin' in the Rain,1952)中金·凯利唱着《Sing'in the Rain》在雨中绕着路灯起舞的画面，就差手里拿把伞了。

《我爱马文》《雨中曲》两年后，另一位主角唐纳德·奥康纳在歌舞片《我爱马文》又照搬了这个动作。

《爱乐之城》里的好多路灯…路灯是好莱坞歌舞片的常见元素，即便进入60年代，由舞台走向了真实世界，路灯依然是经久不衰的布景、道具，无论是60年代的《电话皇后》(Bells Are Ringing)还是70年代的《纽约，纽约》。

24.29.

《爱乐之城》

《礼帽》

《篷车队》《爱乐之城》山上的双人舞明显致敬了米高梅“舞后”和“舞王”——金姐·罗杰斯与弗雷德·阿斯泰尔，（费里尼的《舞国》(Ginger e Fred,1986)就是以他们俩为原型拍摄的），在导演的原始剧本中也是这么描述的：“dissolving into a Fred-and-Ginger-style dance”。

金姐和弗雷德是统御30年代的歌舞搭档，他们从1933至1939年间，合作九次，十年后又又一次。

他们主演的歌舞片，从剧情、歌曲到视觉韵律，完全随二人悠然自在的银幕人格达成。

《爱乐之城》这场舞遵循两人舞蹈场面的特点，用一镜到底的长镜，任由摄影机单纯跟随舞步，甚少使用面部特写，以便完整保留流畅的肢体动作。

不过由于高司令和石头姐舞蹈功底不高，所以只好用慢舞呈现。

真正比较起来，金姐与弗雷德主演的《礼帽》(Top Hat,1937)是与之最接近的，其一，他们在中跳完这支舞后，才“化解”了之前结下的“小梁子”；其二，这场舞曾被雷声打断了一小下，而《爱乐之城》最后是被手机铃声打断。

公园和路灯的主场景又如《蓬车队》(The Band Wagon,1953)里的复刻，这两部老片梗也是得到导演本人承认的。

那个经典表情“土豪，我们做朋友吧”就是出自《蓬车队》。

《爱乐之城》/《黄金梦》

《一个美国人在巴黎》/《伦巴》高司令和石头姐在海报上这个动作，颇像《黄金梦》(You'll Never Get Rich,1941)中弗雷德·阿斯泰尔和丽塔·海华斯的剧照（注意，是剧照，与正片有所出入）。

至于米娅的黄裙能在百老汇歌舞剧《一个美国人在巴黎》和法国歌舞片《伦巴》(Rumba,2008)觅得踪迹。

在此特别介绍《伦巴》主创合作的所有影片《仙女》、《伦巴》、《爱上冰山的女人》，都是非常棒的带有歌舞色彩的喜剧。

《爱乐之城》

《伴我婆娑》米娅和塞巴坐在长凳上的舞步，比较接近的是金姐与弗雷德在《伴我婆娑》(Shall We Dance,1937)中经典旱冰舞的前奏小热身。

30.

《爱乐之城》

《伴我婆娑》弗雷德·阿斯泰尔被誉为“舞王”，你能在《爱乐之城》中找到他多部作品的影子，帽子和拐杖（或棍子）是弗雷德的经典道具。

塞巴在码头拾起一顶帽子，归还前用了几个简单的动作，这正是弗雷德帽子舞的入门级。

帽子是弗雷德的符号，并没有明确的电影指涉。

31.32.

米娅的女室友段落，如《油脂》(Grease,1978)+《巴黎之恋》(Les Girls,1957)中的女室友段落。

33.37.

《爱乐之城》

《西区故事》米娅和室友们共舞，她用窗帘围在身上做出一个女神打扮，60年代经典歌舞片《西区故事》(West Side Story,1961)里的娜塔莉·伍德也用一条绸布裹在身上，扮演女神。

《爱乐之城》

《花鼓歌》其中一名女室友的扇子舞来自《花鼓歌》(Flower Drum Song,1961)，这是好莱坞屈指可数的以中国人为题材的歌舞片，片中除展现南方的花鼓歌之外，还有扇子舞。

实际上，片中只出现了黄白相间的折扇，蓝色这把只存在于海报封面。

广告画《伞下的狂欢》远处餐厅位置的黄色海报并非《雨中曲》的某款海报，它是广告绘画之父卡皮耶洛(Leonetto Cappiello)的广告画《伞下的狂欢》(Parapluie Revel)，比《雨中曲》还要早。

值得注意的是，法语"Parapluie"这个单词再度出现。

《爱乐之城》

《生命的旋律》米娅和室友在大街上翩翩起舞，对应的是60至70年代的歌舞片大拿鲍勃·福斯的《生命的旋律》(Sweet Charity,1969)中天台那场戏。

《爱乐之城》这场戏的优势在于色块的运用明亮饱满，编舞具有冲击力，且不失俏皮活泼。

不过鲍勃·福斯对于《爱乐之城》并没多少影响，他的歌舞片多是将歌舞与故事分离，除了《生命的旋律》，他也并不擅长用色。

鲜艳着装是雅克·德米歌舞片的特点，他以各种鲜艳的颜色去妆点角色，单从颜色就已经做到赏心悦目。

《爱乐之城》

《纽约，纽约》威廉·克莱因在纪录片《百老汇之光》(Broadway by Light,1958)里拍摄的夜色中的霓虹灯光给人留下了深刻的印象。

许多老电影在表现舞林酒池、声色犬马的场面时，也喜欢用这种霓虹灯的色彩与角色的行为进行叠化，这是一种惯用手法，老马的《纽约，纽约》里也有这种镜头。

之前有国外网友剪的视频里指出这里对应的是《雨中曲》，我认为是不恰当的。

38.41.

《爱乐之城》

《甜姐儿》米娅那条黑色紧身长筒裤+白袜+黑鞋的造型，是《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本的经典款式。

《爱乐之城》

《一个明星的诞生》米娅在独幕剧中穿的黑西装联想起《一个明星的诞生》(A Star Is Born,1954)中朱迪·加兰演出歌舞剧时的那身。

话说朱迪·加兰的女儿丽莎·明奈利也是鲍勃·福斯超级无敌牛逼歌舞片《歌厅》(Cabaret,1972)的女主角，石头姐可是演过百老汇版本的《歌厅》。

《爱乐之城》

《瑟堡的雨伞》塞巴在片头、片尾两次身着咖啡色西装，应当还是参考了《瑟堡的雨伞》中男主角在中后段的那身服装。

咖啡色也符合塞巴这个“怀旧人士”的象征。

《爱乐之城》

《瑟堡的雨伞》米娅与塞巴有次夜晚散步，穿了件粉长裙，也借鉴自《瑟堡的雨伞》中女主角的长裙，尽管款式不同，但颜色和领口设计却极为统一，且同样出现了相似的构图和走位。

42.

米娅与塞巴相爱后的第一场戏，她在写自己的独幕剧，剧中角色叫吉娜维芙(Geneviève)，此名正是《瑟堡的雨伞》里女主角的名字。

感谢@汽车大师 告知，一度以为这是写信……43.

塞巴在餐厅里演奏的音乐是耳熟能详的圣诞应景歌"We Wish You A Merry Christmas"和"Deck The Halls"，在导演的原始剧本中写的曲目是《银色圣诞》(White Christmas)，出自老一辈美国观众都曾看过的经典同名圣诞电影的主题曲。

不过现在正片中用的两首更能俘获年轻观众，也更有喜感。

银色圣诞 (1954)7.71954 / 美国 / 喜剧 爱情 歌舞 / 迈克尔·柯蒂兹 / 平·克劳斯贝 丹尼·凯耶这家餐厅是在WB studio lot附近的Smoke House拍的，历史悠久，和好莱坞的联系也很深。

大本的《逃离德黑兰》(Argo,2012)也有在这儿取景。

44.

《爱乐之城》

《葛伦·米勒传》塞巴带米娅去听爵士乐那场戏，是向上世纪50年代的大爵士电影致敬，尤其像极了《葛伦·米勒传》(The Glenn Miller Story,1954)中摇摆爵士大师葛伦·米勒带妻子去听路易.阿姆斯壮（由本人亲自扮演）的音乐一幕。

《爱乐之城》这场戏与之后的演唱会（炫目的灯光、躁动的观众）一幕戏形成对比，同时带出音乐类型片的演变（也就是现在的演唱会纪录片），暗示爵士乐时代的一去不复返，更加阐明了约翰·传奇那番话的精髓：固守传统，怎么能成革新者？

（想来我这种“老片痴影患者”也是如此吧……）

《爱乐之城》另外，60至80年代带有清新活力的音乐片（披头士、猫王的音乐电影和之后的乐队电影，导演初始剧本中描绘的是80年代风格）在片中也有出现（上图一幕），他们用流行歌曲丰富文化内容，为一成不变的歌舞片带来一股新风，对于音乐电影的革命也是标新立异的。

45.

《爱乐之城》

《蔑视》很多影片都有通过背景墙的色彩变化来表现人物，金·凯利在歌舞片《一个美国人在巴黎》中也用过，戈达尔在《蔑视》(Le mépris,1963)中的使用保持了动作的连贯性。

46.

《爱乐之城》

《迷魂记》塞巴家的夜戏几乎都是全绿色的室内戏，包括两人的第一次情感转折戏，是通过霓虹灯透过窗帘来营造效果。

这显然是从希区柯克的《迷魂记》(Vertigo,1958)那里学来的，《迷魂记》中的酒店外拥有巨大的绿色霓虹灯，透过细孔窗帘映射在朱迪的房间中，使整个房间弥漫绿光。

最经典的一场戏，当更衣后的朱迪走出浴室，视觉上感觉她变成了玛德琳，沐浴在朦胧的绿光下，如梦幻柔软的回忆，而史考特也在此时退出他的浪漫幻想进入现实。

在《爱乐之城》中，绿色霓虹灯也突出了一种朦胧的美感。

（托朋友专门向导演进行了求证，导演的解答是：对，对，绿色的霓虹灯光从背景打过来。

那其实是一个临时的主意，Lina，我们的摄影师想要这样一个致敬的镜头。

这也说明就算在那样一个情感上非常现实的场景，你也想要一点点魔术，一点点老派好莱坞，整部电影的各个方面，都是这个来一点，那个来一些，保持一个混搭的状态。

）47.54.

《爱乐之城》

《迷魂记》《迷魂记》中的旋转多圈接吻镜头已经影响了不少影片，《爱乐之城》臆想部分的的开始段落也使用了该手法，只不过它的转速要比《迷魂记》快许多。

《爱乐之城》

《瑟堡的雨伞》臆想段落中的红色舞厅是参考自《瑟堡的雨伞》中的舞厅，这里是水手流连的地方，注意左边那根柱子也得到了保留。

《爱乐之城》

《一个美国人在巴黎》通过小号转变的半圆黑洞，是参考自《一个美国人在巴黎》中的塞纳河畔的场景，半圆黑洞即桥洞。

《爱乐之城》

《红气球》臆想部分的歌舞串联，出现了法国片《红气球》(Le Ballon Rouge,1956)中手持红气球的男孩身影。

它并不是歌舞片，可能只是导演的个人喜好，不过影片讲述的是一个男孩发现一个红气球，它仿佛有生命，在它的带领下，男孩走过巴黎的大街小巷。

影片充满超现实的风格，让人联想到保罗·克利以及杰昂· 米罗等画家的作品。

所以放在《爱乐之城》臆想段落中，同时搭配艺术布景和巴黎的背景。

这场戏还有一位水手形象，水手可是歌舞片的常见角色，无论是弗雷德·阿斯泰尔（《海上恋舞》(Follow the Fleet,1936)）、金·凯利（《起锚》(Anchors Aweigh,1945)、《锦城春色》(On the Town,1949)）还是雅克·德米（《柳媚花娇》）歌舞片或多或少都有水手的形象。

《爱乐之城》

《甜姐儿》《甜姐儿》(Funny Face,1957)中奥黛丽·赫本在凯旋门前的七彩气球也有出现。

在形式方面颇有风格，服装以及摄影上鲜艳的色彩运用令人印象深刻。

《爱乐之城》

《雨中曲》后台入口这个洁白空旷的大舞台，是《雨中曲》中两个元素的结合。

这场戏的舞台是典型的米高梅歌舞片的场景，并没有明确的电影指涉。

值得一提的是，该场景在男女主角之前参观华纳片厂6号棚时已有出现（包括路灯、地球仪），所以说电影是造梦的艺术，而梦又是来源于现实。

55.57.

《爱乐之城》

《1933淘金女郎》剪影效果重现了试镜一段，这是舞蹈指导巴斯比.伯克利(Busby Berkeley)在《1933淘金女郎》(Gold Diggers of 1933,1933)中的独特烙印。

之前曾介绍过巴斯比（可跳转至：请您欣赏：肉山人海万花筒），他除了具有用摄影机运镜把团体表演转化成部队操练的本事外，最厉害的就是能将极具创意的摄影技巧融入舞蹈形式中。

而男女主角的剪影最后相拥的镜头出自《广告员》(The Hucksters,1947)中盖博和寇尔的剧照（正片中并无）。

另外，前两年有新闻说，高司令要拍巴斯比.伯克利的传记片，也算个有趣的巧合了。

《广告员》剧照

《公园长椅上的盖伊与玛德琳》实际上，达米安·沙泽勒在导演处女作《公园长椅上的盖伊与玛德琳》中就有用过侧面剪影的拍法。

58.59.

《爱乐之城》

《一个美国人在巴黎》《美国人在巴黎》(An American in Paris,1951)的芭蕾舞蹈部分，剪辑转场用的都是舞蹈姿势（最出名的可能是复刻罗特列克的画作《Chocolat Dancing in the Irish American Bar》那段），而《爱乐之城》里则用到了很多次乐器（钢琴海报，演奏中的小号等）来做剪辑转场。

《一个美国人在巴黎》整个歌舞串场更是从《一个美国人在巴黎》结尾长达17分钟金·凯利的臆想中得来的，随着印象派布景的变换，加上不同的舞法与形式，令人目不暇接。

两部片同样营造出巴黎的气氛。

只不过《爱乐之城》的臆想片段里埋有很多老好莱坞歌舞片的影子。

幻想其实也是歌舞片经常使用的手段，文森特·明奈利是用歌舞场景展现角色幻想和情绪的高手，《一个美国人在巴黎》以前另一个比较典型的是《风流海盗》(The Pirate,1948)里对朱迪·嘉兰演的女主被传奇海盗的故事吸引，从而春心萌动的部分（其实就是艺术的表达女主角的性幻想）。

此外，巴斯比·伯克利在《1935年淘金女郎》(Gold Diggers of 1935,1935)》中的"Lullaby of Broadway"部分也是典型的用歌舞段落表现梦境，而且还是个非常残酷的梦境结局。

其他场景性内容：60.73.

《爱乐之城》

《柳媚花娇》米娅所在的咖啡馆似乎也参考了《柳媚花娇》中的小馆。

《爱乐之城》

咖啡馆里的三张黑白照分别是：好莱坞女星拉娜·特纳、电影《好莱坞巡游》(Hollywood on Parade,1932)剧照：平·克劳斯贝和玛丽·碧克馥、好莱坞女星丽塔·海华丝。

《爱乐之城》

《人人都说我爱你》用墙上的海报来做迷影，在很多影片中都出现过。

《人人都说我爱你》中德鲁·巴里摩尔的房间中也出现过很多歌舞剧的海报。

米娅房间的墙上还贴有《金发女吸血鬼》(The Blonde Vampire,1922)、《勇气》(The Dove,1927)、《野百合》(Lilies of the Field,1930)、《黑猫》(The Black Cat,1934)的和《百老汇的淘金者》(Gold Diggers of Broadway,1929)海报，客厅还有《绣巾蒙面盗》(The Killers,1946)的海报，奇怪的是这些影片都不是歌舞主题。

《爱乐之城》亚里托影院门口张贴的海报则有两张《无因的反叛》、《无线电巡逻》(Radio Patrol,1937)和《永别了，武器》(A Farewell to Arms,1932)。

以及词汇方面的：74.

《爱乐之城》影片中使用的语言和词汇也很旧式，比如塞巴和姐姐的对话中，他用到了“Shanghaied”这个词，这是个老词，有“拐骗”之意。

曾出现在多部好莱坞老电影中，1909年美国拍了部电影《Shanghaied》，后来用“shanghai”命名的影片不下十部，内容多是有关绑架和诱拐的。

卓别林1915年也拍过一部《Shanghaied》的海上诱拐喜剧。

包括后来的《上海特快》(Shanghai Express,1932)、《上海小姐》(The Lady from Shanghai,1947)、《上海惊奇》（惊爆天狼星/Shanghai Surprise,1986)的片名都有贬义。

希区柯克在《奇怪的富翁》(Rich and Strange,1931)结尾，也是让主角上了中国人的船，同样有这层意思（它的另一个片名叫“East of Shanghai”）。

75.

《爱乐之城》

《纽约，纽约》片尾结束时，"The End”下方用了"Made in Hollywood U.S.A"字样，这也是一个非常标准的老电影片尾。

老马的《纽约，纽约》里的戏中戏“happy endings”里面也有这个细节。

片中的爵士乐梗：76.72.

约翰·柯川和比尔·伊文斯塞巴家中出现大量关于爵士乐的梗，首先是约翰·柯川(John Coltrane)和比尔·伊文斯(Bill Evans)，这两张照片都是两人非常标志性的照片。

前者是人类历史上最牛X且著名的萨克斯风手，后者是人类历史上最牛X且著名的爵士钢琴手。

《爱乐之城》

霍奇·卡迈克尔塞巴不让劳拉坐的小板凳，是著名爵士男歌手、作曲家霍奇·卡迈克尔(Hoagy Carmichael)坐过的板凳。

而塞巴说的“The Baked Potato”把它扔了，“The Baked Potato”是洛杉矶富人区Studio City的一家爵士乐餐厅俱乐部。

塞巴后来成立俱乐部后，约翰·柯川和比尔·伊文斯的照片以及霍奇·卡迈克尔坐过的板凳再次出现。

劳拉说给塞巴带了一块小地毯，塞巴不要，劳拉说“如果迈尔斯·戴维斯(Miles Davis)在上面尿过尿你是不是就要了”。

迈尔斯·戴维斯是最伟大的爵士乐大师，小号手。

无数伟大爵士乐大师的导师，Cool Jazz创始人，最早开始Bop Jazz演奏的人之一。

前面出现的两张照片里的约翰·柯川比尔·伊文斯，在50年代末都曾经是迈尔斯·戴维斯的五重奏乐队中的乐手，录制过包括《Kind of Blue》在内的多张爵士乐经典唱片。

劳拉走后，塞巴开始随着唱片练琴，曲子是爵士钢琴演奏家西洛纽斯·蒙克(Thelonious Monk)的曲目《Japanese Folk Song》。

73.83.

在塞巴工作的餐厅里，“魔鬼老师”J.K.西蒙斯不让他演奏自由爵士(Free Jazz)，但其实塞巴只不过是一些即兴演奏，而不是真正的自由爵士。

可能是，如果使用真正的自由爵士的话，不光是餐厅里的客人，恐怕连银幕前的观众们都会受不了的。

当米娅说她恨爵士乐后，塞巴带她去了一家爵士乐俱乐部，台上的乐队是典型的爵士五重奏组合，即：小号手、萨克斯風手、贝司手、钢琴手和鼓手。

在这个部分，最突出的是介绍爵士乐和调侃肯尼·基(Kenny G)。

这里有几点需要说明：1、关于爵士乐的起源，塞巴讲的只是很小的一个方面，其实爵士乐的起源非常复杂，是一黑人音乐为根源的多民族多类型音乐经过很多年多融合后形成多音乐类型。

2、重点来啦！

调侃肯尼·基。

在塞巴兴致勃勃地发表了一大通关于爵士乐的blah blah之后，米娅很认真地提到肯尼·基和“电梯音乐”！

这几乎是现实生活中爵士乐迷和爵士乐手都无法容忍的，就是，把肯尼·基和他的“电梯音乐”当成爵士乐。

肯尼是人类历史上最畅销以及最被鄙视（被爵士乐界）的萨克斯風选手。

至今并且仍然继续被卖出的唱片已经超过75，000，000张，这个数量“甚至比所有爵士乐手的唱片销量总和还要多。

虽然肯尼先生从未说过自己演奏的是爵士乐，但无奈很（suo）多（you）他的粉丝都认为自己听的是爵士乐。

而肯尼另一个最为人所知的就是其乐曲经常被用在电梯内和商场关门时，所以他的音乐也被调侃成“电梯音乐”。

顺便说一句，想到米娅当时那张认真的脸，我就想笑。

3、在米娅很认真地提到肯尼·基之后，塞巴说到了萨克斯风演奏家，以高音萨克斯风为主奏乐器的先驱者西德尼.波切特(Sidney Bechet)。

台词是这样的“Sidney Bechet shot somebody because 他弹错了一个音…”导演达米恩·查泽雷似乎很喜欢在自己的电影中使用一些爵士乐手们并不存在的趣（hu）闻（bian）轶（luan）事（zao）。

就像在《爆裂鼓手》中说爵士打击乐传奇人物乔.琼斯(Papa Jo Jones)向爵士乐历史上最才华横溢的萨克斯风手查理·帕克(Charlie Parker)扔钹片一样，都没有真的发生过。

不过，在米娅给塞巴未来的俱乐部设计logo时，塞巴又一次提到了查理·帕克，并且说他的绰号是“Bird”，这个倒是对的。

（克林特·伊斯特伍德拍过他的传记片《火鸟重生》(Bird,1988)）84.

塞巴上台介绍乐手，这个桥段设计的很有深意，每一个乐手的名字都对应了一个现实中的伟大爵士乐音乐家：萨克斯风手：Cal Bennett → Tony BennettTony Bennett：这个不用说了吧，现今唯一存活的爵士乐大师，爵士男歌手，一大堆名曲，就算你没停过这个人，但我不信你没听过他的歌。

小号手：Javier Gonzalez → Ruben GonzalezRuben Gonzalez：著名拉丁爵士乐手，古巴三大钢琴手之一。

贝司手：Nedra Wheeler → Kenny WheelerKenny Wheeler：著名小号演奏家以及柔号（Flugehorn）演奏家。

鼓手：Clifton“Fou Fou”Eddie → Eddie HigginsEddie Higgins：爵士钢琴演奏家。

钢琴手：Khirye Tyler → 这个完全想不到对应人物，但我觉得既然前四个乐手都有对应人物，那这个应该也有。

要么就是这个乐手是钢琴手，而塞巴自己就是钢琴手，所以故意没有设计成有现实对应人物。

当然这个就纯属个人YY了。

导演前作的影子：当然，片中还埋有导演前作的影子，包括《公园长椅上的盖伊与玛德琳》、《爆裂鼓手》及编剧作品《夺命钢琴》，在这里也可以看出他的作者风格了。

希望将来能看到沙泽勒不拍音乐题材的电影会是什么样。

85.

《爱乐之城》

《爆裂鼓手》

《公园长椅上的盖伊与玛德琳》达米安·沙泽勒的三部电影都有对于架子鼓的迷恋。

86.87.塞巴和玛德琳在厨房烹饪时，出现的配乐《Summer Montage/Madeline》是《公园长椅上的盖伊与玛德琳》的旋律之一：电影院一吻中也有用到《爆裂鼓手》的配乐《No Two Words》：88.

达米安·沙泽勒的导演处女作《公园长椅上的盖伊与玛德琳》中男女主角的名字“盖伊”、“玛德琳”出现在了华纳片厂的一块背景板之上（似乎是一部虚构的宝莱坞歌舞片）。

89.

《爱乐之城》

《爆裂鼓手》

《夺命钢琴》沙泽勒特别喜欢“你要是弹错一个音符，你就死定了”这个点，《爆裂鼓手》长短片版以及编剧作品《死亡钢琴》(Grand Piano,2013)都有这一概念，到《爱乐之城》变成弹奏自己曲目就要被开除，且三次这个主控者都是由J·K·西蒙斯扮演。

好了，写完。

再次感谢冻鸦和t-_-f的帮助，辛苦！

祝大家过个好节！

开宗明义，我不喜欢这部电影，从导演的上一部作品开始，我就不喜欢。

充满了刻意的算计和讨好，好像是一个优等生对解题方法十分清楚，对批卷老师的口味非常明白，所以精心安排了整体的布局，任何可以安排高潮的地方，非常刻意的放置了迷影梗：比如对旧好莱坞的致敬，对片场制度的致敬，对传统歌舞片的致敬，对老电影院的怀旧，对老电影的回顾，对传统转场方法叠化和圆圈遮挡镜头的使用，对蒙太奇的使用，对环绕镜头和快速横摇的使用。

问题是，满篇的致敬梗，不断让人出戏和跳戏，无法真正融入电影想讲述的普通的爱情故事里。

**爱情**米娅完成最后一次试镜后，她和塞巴斯蒂安坐在天文台的长椅上。

塞巴斯蒂安对她说：如果试镜成功，你就要去巴黎了。

米娅对他说：我会永远爱你。

塞巴斯蒂安回应道：我确信你一定会成功，这次试镜一定会成功，你要尽你所能。

我会永远爱你。

这完全无法让人信服。

他们的感情从相遇到升温，到遇到波澜再到塞巴斯蒂安从她家劝她回来参加试镜，剧本层面上，已经完成了感情的破裂与弥合，不存在外部力量和环境对两个人感情的破坏和干扰。

即不是双方父母阻挠两人在一起，也不是现实困境阻碍两个人感情的维系，也不是第三者的出现使得两人产生误解，感情变质了。

更重要的是：两个人对梦想的追逐对两人的感情发展完全没有阻碍。

你不能因为说米娅去巴黎拍戏，塞巴斯蒂安留在LA发展，两个人就预感到的感情就会破裂，无法维系。

塞巴斯蒂安也不是中国人，不会因为护照和签证问题就没法去巴黎看米娅，这讲不通。

剧本层面，从塞巴斯蒂安回到米娅家乡，对她进行劝说，到第二天清早，带米娅回来，感情的小波折就已经渡过去了，突然讲出我会永远爱你这句话，意味着电影前面努力营造的两个人的甜蜜情感在一个毫无信服力的理由之下如镜子般碎裂。

让我们来复盘一下吵架那场戏。

首先，吵架那场戏，我很不喜欢。

不断的正反打，不断的语音语调的提升，使得整个这一段在手法上很单调，在表现上很吵闹，和前面营造的一种浪漫的，轻柔的整体氛围不搭调，显得特别突兀。

米娅对塞巴斯蒂安说：你还要巡演多久？

他回答：还得好久，你可以到我这里来排练。

她说：哦，不行，我太紧张了，还有两周就出演了。

他说：没关系，在哪里都可以排练么，我只是想要多点时间和你在一起而已。

他说：你喜欢我做的音乐么？

她说：挺喜欢的啊，你喜欢么？

他说：挺喜欢的啊，观众也很喜欢。

她反问道：是么？

你什么时候在乎观众喜欢什么了？

他回应道：可是观众喜欢，我能挣到钱，不是很好么，我也想成为一个更成熟的我，这样才能给你稳定的感觉。

倒是你，没有观众喜欢，还能称之为演员么？

这句话击溃了米娅。

从两个人在酒吧第一次相遇，到在party上第二次相遇，米娅对塞巴斯蒂安的所有感觉都建立在后者是一个怀才不遇的热爱小众音乐的文艺青年追梦人的基础上。

米娅在片场做咖啡店员是为了有更多机会试镜，参加了很多次不成功的试镜也是为了有朝一日能成为演员，就像她在片场对塞巴斯蒂安讲的：有一个姑妈，是演员，从小带她看老电影，因此她想要成为女明星。

她在遇到塞巴斯蒂安之前的种种困境，在遇到塞巴斯蒂安的那一幕时，都化作自我投射，映照在塞巴斯蒂安的身上，满足了她对于自身困境和际遇的全部想象和感受。

这是一个文艺青年在落魄时，或者北漂小演员在落魄时，最容易被打动的场景。

你瞧，他也是文艺青年（我们志趣相投），他弹着自己喜欢的音乐，追求自己喜欢的东西（我们充满热爱，执着追求），他被老板解雇（我们有才华，却没人赏识），另外，他还有点帅，尤其是在聚光灯下。

在合适的场景遇到合适的人，米娅完成了自己孤独心灵的慰藉，找到了她认为真正爱的那个人。

所有感情线的发展，都符合了LA LA Land的浪漫能给予文艺青年的最终幻想。

电影院，天文台，路灯，踢踏舞，长桥，小酒馆，一切一切都为这两个人的浪漫之恋铺路。

但问题出现了？

米娅究竟爱的是什么？

她爱的是塞巴斯蒂安，还是塞巴斯蒂安追逐梦想的样子，还是塞巴斯蒂安怀才不遇拒绝向现实低头，追逐梦想的样子？

米娅读了两年大学，放弃了，来到这里6年时间，不断的试镜，但基本没有收获。

面试官对她爱答不理，同样参与试镜的女孩子个个漂亮，甚至可能也比她有更好的演技，那支撑她这么多年坚持留在这里的，只能被理解为是梦想。

她遇到塞巴斯蒂安，看到了另一个自己，怀才不遇，现实不顺，同样坚持。

人在困境时，往往想要借助外界的力量来支撑自己的信念，因此，塞巴斯蒂安的追逐梦想，成为了米娅对自己梦想坚持的信念来源。

她遇到的所有困境，所有挫折，都可以用这个人偶来寄托和慰藉，告诉自己，梦还在，还值得追逐，还可能成功。

塞巴斯蒂安的困境和努力，而不是塞巴斯蒂安对米娅的爱，构成了米娅对塞巴斯蒂安的感情的大部分的基础（肯定不是全部，因为肯定也有男女单纯的爱恋）。

这种困境和努力，以及塞巴斯蒂安对米娅不遗余力的支持，对她所谓才华的相信，仿佛信徒对上帝祷告时，获得的神启和神迹。

这种神启或神迹，这种塞巴斯蒂安对米娅的支持以及他自己自身的境遇，构成了一个安全壁垒，使得米娅在这个壁垒里可以安心的做自己，做那个单纯的，追逐梦想的自己。

这种温暖的包围，安全的小屋，会让人忘记现实的困难，让人误把创作激情当做创作才华，就像米娅被塞巴斯蒂安劝说开始写剧本那样。

两人吵架时，塞巴斯蒂安对米娅说：你只不过是在我落魄时，见到我喜欢我，能够使得你自我感觉良好罢了。

我不同意这句话。

米娅对塞巴斯蒂安的感情，绝非自我感觉良好这么简单。

她实际上是把他当做一个更坚定的自己，一个更执着的自己。

这种感情，与其说是因为男生的特质而喜欢，不如说是因为更爱自己而喜欢。

她热爱自己，爱着那个不断追逐梦想的自己胜过爱那个爱着自己的塞巴斯蒂安。

本质上，她是因为对自己梦想的不坚定，现实不断的打击而逼迫她寻找一个精神寄托。

塞巴斯蒂安适时地出现了，他的那种落魄的形象，不屈不挠的斗争，都满足了她的自我安慰。

换一个场景，换一个男人，只要能满足这个条件，她还是会动情，喜欢上的。

这样的感情维系，如同普通人对超级英雄的喜欢，本质上是自我的放大，而不是两个灵魂的平等交流。

塞巴斯蒂安的看似招安，实际上是想成为一个更成熟的自己，在为现实妥协的同时，更好的支持米娅的梦想。

人们常说，爱情里，两个人相互扶持，相互鼓励，不是为了自己，而是心甘情愿的为了对方，那个爱的人，而成为更好的自己。

塞巴斯蒂安从头到尾都在鼓励她，支持她，这种鼓励与支持是无条件的，甚至为了她暂时妥协，这是为了爱情而做出的牺牲。

反观米娅，从头到尾没有对塞巴斯蒂安有同样程度的支持，而是在自己的内心中固执的构建她想要塞巴斯蒂安成为的那个追逐太阳的夸父形象，那个追逐梦想头破血流却初心不改的形象。

我从米娅的感情中，看不到真正的爱。

**梦想**米娅的梦想究竟是什么？

从她在咖啡店，看到女明星走进来的一幕开始，电影实际上已经告诉我们，米娅的梦想，并非对艺术的追逐，而是对世俗意义成功的渴望。

因此，她才会因为塞巴斯蒂安的那句话而崩溃。

“如果观众不喜欢，那算什么演员？

”音乐可以独立观众而存在，因为音乐本身是面向自己的，是内省的，你得首先打动自己，让自己的灵魂愉悦，才能感染别人。

因此，当米娅在live house看到那一幕，才会产生不适感，掉头走掉。

让我们仔细看看那一幕。

暗场里只有塞巴斯蒂安弹钢琴，人声响起，米娅看得还是挺入戏的。

突然，灯光亮起，艳舞女郎上台，人群开始热闹起来，米娅有点不适，但还能接受。

中段，塞巴斯蒂安开始弹电子音乐，EDM，特别是表情和状态都挺享受，这个时候米娅开始对周围的观众产生不适感，退出人群。

让她走掉的不是塞巴斯蒂安的世俗意义上的成功，而是他弹着当初在party上认为严肃音乐家不齿的电子音乐，居然还乐在其中，不以为耻反以为荣。

精神偶像崩塌了，借用陈佩斯朱时茂的小品，“原来你个浓眉大眼的，也叛变革命了”。

偶像的崩塌，让她产生自我怀疑，而塞巴斯蒂安的那句话，更是雪上加霜。

塞巴斯蒂安在日常生活中，不断鼓励她，让她不要在乎观众看什么。

问题是，音乐是内化的，是由内而外散发魅力的，你必须先愉悦自己才有可能愉悦观众。

而表演不同，或者直截了当的说：当明星不同。

没有观众喜欢你，没有人爱慕你，你自认为再好的表演也是空中楼阁，镜中水月。

因此，她才会在小剧场里因为听到观众对她的评价而崩溃，放弃，逃回家里。

塞巴斯蒂安的那句话，击溃了她内心中，潜意识里真正的梦想赖以生存的全部基础，动摇了她一切行为的意义。

她追逐的是世俗意义上的成功，而却在现实世界中渴求一个精神层面上的成功。

这两者之间是撕裂的，矛盾的。

当她五年后成功了，成为了明星，走进原先自己任职的咖啡馆，同样的镜头语言告诉我们，她成为了别人眼中，嘴里的那个女明星。

转头的一瞬间，她的笑容得意而满足。

镜头再来到最终一场戏的酒吧里，她看到塞巴斯蒂安，满眼都是他们两个人如果一帆风顺，全世界为你们让路的蒙太奇。

说实话，这段是非常恶心的。

这仿佛是一个家庭幸福又体面的中年妇女，看到小鲜肉，心中暗暗意淫：我真正爱的是那个才华横溢的追梦青年，而坐在我身旁的，给为带来幸福，体面，富足家庭的这个男人，只不过是我世俗中的老公，而非我精神世界的爱人。

这构成了这部电影最大的讽刺。

米娅从来都没有真正爱过艺术，也没有真正爱过塞巴斯蒂安。

她想要的，从头到尾，都是世俗意义的成功，只不过她用所谓精神层面的追求来满足自己贪婪的内心，掩盖和欺骗真正的自己。

最后的蒙太奇，构成了最大的讽刺，因为，真正阻碍你获得蒙太奇里面两个人甜甜蜜蜜，全世界为你们疯狂的，是你自己。

没有人阻碍你们在一起，没有人阻碍你获得成功，甚至没有第三者插足。

当你功成名就之后，还要满足自己年轻时的缺憾，想要获得爱情的认可，这不是贪心贪婪是什么？

路是自己选的，家庭是自己建立的，老公是自己嫁的，偏偏搂着老公还意淫着所谓轰轰烈烈的爱情，真是太贪心了。

回到当初米娅和男友吃饭，她一个小演员，费尽心思通过寻找有钱有地位的男友，试图跨入那个阶层，听着他们聊生意，聊五星级生态会所，已经暗暗告诉我们，米娅全部的心思，都只是想要成为那个阶层的一员，成为众人爱慕的明星而已。

她的梦与塞巴斯蒂安的梦想相比，值得尊重，却不敢苟同。

**成功**米娅究竟是如何成功的？

这真是一个谜题。

我无法说服自己相信一个6年来不断试镜，却始终被面试官打断的追梦女孩，如何突然获得了一次非常胡闹的面试机会，从此就平步青云，扶摇直上。

我只能解释为，这是在暗讽好莱坞的明星来的就是如此容易，如此随机。

一个看似不靠谱的机会，就成就了一个明星。

艾玛斯通的演技绝对是非常出色的，尤其是在电影中第一次试镜时，当她被别人打断时，那种微表情的变化，极其精确到位。

那问题就来了，既然演员的表面如此出色，面试官全完全无法get到，那究竟是演员表演的不够好，还是说本身面试就是很随机，甚至有潜规则的。

当米娅在小剧场演出后，在后台听到观众对她演技的反馈时，我迷惑了。

电影中观众是对米娅的演技完全不认可的，这种不认可，不承认，一方面与米娅6年来不断试镜却从未有过什么真正的表演机会的事实是吻合的，但从另一方面，更加说明后来的试镜机会来的如此没有根基了。

既然大家都不认可你的水平，为何会给你机会？

如果从艾玛斯通的表演维度看，又更加奇怪了。

既然你本身的表演如此出色，为什么大家对你的表演如此不认可？

这中间产生的认知偏差，是怎么让米娅突然就成功的呢？

最后的试镜更是胡闹。

电影没有剧本，参考表演者自身演绎而进行创作。

米娅就讲了一个烂俗的鸡汤故事，偏偏这样就获得了成功。

在这里，我只能理解为，这是导演的自我表述了。

本身有才华，却不被欣赏和理解。

最终还是通过一个俗烂的鸡汤故事，打动了制作人，获得了机会，取得了成功。

这简直是对好莱坞的莫大讽刺啊！

我并非因为才华而获得认可，仅仅是因为符合你们的套路和需要，就能获得认可，这本身难道不是对好莱坞的明星体制，IP炒作的讽刺么？

如果在小剧场里，安排台下观众对米娅表演的认可的戏，或者最后试镜的机会给出一个令人信服的交待，我是能够承认米娅是因为怀才不遇，努力奋斗，却没有放弃，最终千里马遇到伯乐，获得成功的故事的。

但这些都没有，她的成功来的如此随意。

一个不靠谱的试镜，一个五年后，成功便唾手可得了。

那这种轻易的成功和两个人当初的感情对比起来看，更显示出，他们两个人的感情只是米娅成功道路上的点缀。

在需要的时刻（成了角儿，带着丈夫来酒吧）随时可以拿出来过个瘾（最后的蒙太奇），这种感情对塞巴斯蒂安不公平，对观众来说太轻浮了。

如果这部电影，潜意识想讲述的，是一个平庸的女孩子费尽心思嫁入豪门，成为女明星，但在追梦路上遇到一个单纯的文艺男青年，产生了一段露水情缘的故事，仿佛这一切就可以讲通了。

**天文台和最后的蒙太奇**我实在不觉得最后的蒙太奇有什么惊艳的，更多的是干扰，是一种画蛇添足，除非它就是我认为的导演的潜意识里的对米娅的讽刺。

只有这一层面的蒙太奇，我才能认可它的价值和意义。

如果最后的意淫越华丽，越浪漫，越令人迷醉，也就反衬处当初的米娅对塞巴斯蒂安的感情多么虚伪，多么空洞。

如果导演并没有这么一层意思，那这段戏完全是废戏。

只需要米娅到达小塞酒吧的门口，穿过酒吧看到台上的塞巴斯蒂安，四目相对，塞巴斯蒂安有点惊慌失措，酝酿许久在钢琴上弹出《繁星之城》的前四个音符，那这个故事就闭环了，圆满了，再多久会显得多余，非电影了。

另外，天文台一场戏我也不喜欢。

突然升起进入星空，从简单的文本层面来说，是没问题的。

繁星之城，两个人的感情升华，浪漫，唯美，世界在我身边，群星为我们而舞动。

但问题是，升起的很不自然，突然出现的星空和剪影让整个段落变成了迪斯尼的卡通片，而不是好莱坞的歌舞片。

电影的诗意，最好体现在细微的地方，仅仅是把普通生活拔高一点点，突出一点点，抽象一点点，千万不能多，更不能全面改换。

如同《雨中曲》里，绕着街头的路灯跳舞，只是画龙点睛的一笔，让诗意在生活中，在寻常的景致里，超拔出那一点灵性即可。

脱离了现实的诗意，却配合这样一个很俗套的爱情故事，会显得形式和内容之间产生了脱节。

我甚至觉得，星空乱舞那段还不如两个人刚到天文台，处于画面左侧时的嬉闹更美。

**表演和技术**表面方面，高司令不过不失，这种文艺青年的路子，对他来说毫无难度，量身定做，只是正常输出而已。

艾玛斯通的表演确实值得肯定，非常出色，想到大陆她这个年龄段的那些女明星，在演技上的差距，真是天渊之别。

《繁星之城》在电影的中后段，用的太多，太频繁。

主题音乐不能滥用，你得配合你的场景和想表达的意义使用。

《繁星之城》里讲，所有的星星为你闪耀，实际上是一种浪漫的爱情表现，以及对爱人的无限肯定与赞美。

音乐又透出一种不被认可的追梦人，互相慰藉时的带着忧伤的甜蜜的感觉。

两个人感情好，来段繁星之城，两个人闹矛盾，来段繁星之城，两个人多年后相遇，又来段繁星之城。

感觉有点抓着一首好听的旋律不停的使用，生怕你记不住的感觉。

歌舞表演，我只喜欢米娅在公寓里那一段。

开场的舞蹈有点跳戏。

在还未给我建立起任何情感坐标，世界基础时，就突然加入一段舞蹈，让我有点措手不及。

米娅在公寓里的那一段，镜头的运动和场景的转移很流畅，很显功夫，展示了导演对电影技术的掌握。

四个姑娘对好莱坞经典舞蹈的戏仿和致敬，配合歌曲及歌词，也能很好的表现追梦少女们的热情和魅力。

米娅和塞巴斯蒂安在party后的那一段踢踏舞，不能说不好，只是两个人毕竟不是专业的舞蹈演员，踢踏舞的很多动作，同步性和细节没有表现的特别好。

当然，我也不是对演员吹毛求疵，我认为他们其实表现的已经很好了。

只是这种功能性的段落，一是在致敬雨中曲的时候，没有更好的通过编舞和动作给出舞蹈中蕴藏的活力，和两个人的互相挤兑的感觉；二是两个人跳舞时大多数段落分的太开，缺乏眼神之间的交汇和互相cue时产生的火花。

其他的歌舞段落，说实话没什么印象了，只记得高司令的钢琴确实弹的很赞。

另外还有个问题。

很多旋转镜头和快速横摇镜头，焦都没有跟上，看imax时眼睛很难受。

开场舞小伙跳到厢式货车那段，后面的很多段落里，跟焦都好像有问题。

整部电影使用了太多的tricky，太多的致敬，仿佛是对好莱坞的那些人讲：你瞧，我多懂你们。

对你们的历史，你们的经典，如数家珍，悉数奉上。

我都这样了，你还不拍个手，叫声好？

我不能分辨这是导演的本意还是导演的热爱。

但事实上是，这样的安排在好莱坞人眼中看来，是很懂事很聪明的选择。

好莱坞急需要造星，造神，年轻有很有技术，更关键是更懂得话语权和话术的达米安，对好莱坞这样一个奉行美国价值观和造梦原则的机构来说，是再好不过的人选了。

无论是机缘巧合，还是有意所致，今年的奥斯卡，好莱坞肯定会对达米安大加赞赏，如同是朝廷对宋江招安，毕竟，谁都喜欢懂事又会做事儿的人不是。

电影看到一半的时候，跟我一块去看电影的那个妹子已经开始玩手机了。

幽黑的电影院里，泛着蓝的白光照在她脸上，我撇了一眼，她跟人已经在微信上聊起来了。

我本来觉得很感慨想要呼出的一口气，一下子就瘪了下去。

出门的时候她跟我说，烂片啊，情节老得不行了，幸亏没得奖。

这是一个能看国产小言剧部部看流泪的姑娘。

所以好吧，也许她代表的是多数人的看法吧。

土掉渣的美国梦，现实得不行的男女，最后破烂的结局，的确是个不怎么好的爱情故事。

大家都说这是个关于梦想，成功，以及爱情的故事。

我的友邻歌姬说，这电影的三观不正，宣扬的成功的意义太窄了，所谓的梦想也只是成名（对于女主来说），而为了这个过程，抛弃的太多了。

可我怎么看，都觉得这是一个关于选择的故事，关于一个what if，和what if not的故事。

整部戏看下来，高司令和石头姐做的每一步选择，在他们当时的环境看来，都是他们会觉得最好的选择。

哪怕在剧外上帝视角的观众并不这么觉得，甚至哪怕在他们人生长河里回头去看的时候，他们自己也未必这么觉得。

高司令最初为了生活去参加各种不靠谱band，去当他最鄙视的那一类人，是因为石头姐对他说开酒吧需要钱，需要第一桶金。

创业过的人会知道，很多人的第一桶金，是靠做自己并不喜欢的事情而弄来的，尤其是家里什么都不是的人来说。

可很多人在有了第一桶金后，但却再也没有离开这个圈子去做自己喜欢做的事情。

习惯是一种很可怕的力量，尤其是习惯做的事情还可以带来利益。

如果做一件事一直会得到正面的反馈，人是会被条件反射的喜欢上这件事。

说迷失也好，什么也好，毕竟很少有人能抵挡掌声和关注带来的愉悦感。

而在高司令几乎就要在band那条路上走到黑的时候，他和石头姐晚饭大吵一架，这餐饭注定是不欢而散的，这顿饭把两人意识上的分歧赤裸裸的展现在大家面前。

但十分钟之后，石头姐的个人秀兵败山倒，她狼狈至极，彻底放弃，回父母家决定去读书走普通女孩的路。

这个时候的石头姐，其实便是剧情半个小时前，决定去参加band的高司令。

他们有的，都是被现实，或者思考，狠狠打磨过的决定，他们都是不得不离开曾经想要走的一条路，而走上另一条路。

只是高司令的另一条路选得更不动声色些，这条路带来的一大堆产物里，有钱有掌声有镁光灯下的荣耀，而石头姐的另一条路选得仓促，充满戏剧化，这条路带来的是泯然众人的平凡，是永远告别镁光灯下的尽情表演，还有偏偏高司令的另一条路带来的副产物——荣耀。

我相信其实好莱坞有很多这样类似的故事，国内的横店估计也有很多。

如果再延展开来，把他们的选择扩大到其他行业，这样的人更多，在北上广，在纽约，在东京，有无数这样坚持或者放弃，忘了初心，然后后悔或者不后悔的人。

而不同的是，剧里的双方，像是时间错了位的两个彼此相似的人，一个人想要放弃的时候，另一个人却坚持，另一个人想要走人的时候，这个人又把她拉回来。

这样的两个人，其实并不多见，说归说，谁一般去干预别人的生活呢，谁又付得起这个责任呢。

当然电影也一般不这么拍，因为我们总希望能最后找到一个皆大欢喜的法子。

但皆大欢喜是多么难的一件事情。

那么如果无法皆大欢喜，我们总贪心地希望能有一方“让一让”，然后守在一起，好好的过日子，毕竟，爱情片如果没深度，至少要有个好结局才让人高兴。

但“在一起”，不就是另一种选择了么？

在美国，这样的选择很常见，那种do whatever you want to do的个人主义，散漫也好，自私也好，虽然是大家常有的印象，操作起来其实很困难啊。

选择的当下，没有人会知道未来会发生什么，人每每做出选择，都是在那个当下觉得最正确的，只是这个正确，有时候是基于自己的内心，有时候是基于他人的期望，有时候是基于环境的压迫。

所以遇到一个能跟你说你应该做你想要做的事情的人，其实很难啊，尤其是想要做的事情，也许很浅薄很蠢或者很没有性价比的时候，尤其的尤其的尤其，是想做的是会把你从这个人身边拉走的事情。

啊，你问我两全的法子，我猜应该有，但估计很罕见吧，至少，我没有见过啊。

正因为everything's perfect是那么千载难逢的事情，对于每一个决定，无论到了后面后悔与否，人多多少少都会想起如果当初换了一条路走会如何这个问题。

所以电影的结局，我想才会用十几分钟，把"另外的"结局，拍了出来。

一切的场景都和现实没有太大区别，只是两个人在一起，到底两个人在一起是平凡的夫妇还是仍然是明星和明星，电影没有讲。

电影没有讲的另外一点，是没有明说这到底是石头姐和高司令谁的想像。

可是话说回来，这一条路从本质上，未必就跟高司令去band，石头姐回老家，或者高司令最终开pub，石头姐成了女明星，有什么更多的不同。

都只是另外一条路而已，对不对连荧幕前的观众都无法有一个确切的结论，对于他们自己也只有很久很久以后，自己才能看到。

我最喜欢结局的一点，是双方到最后都没有重逢的对白，石头姐摇头说不要再听下一曲，高司令在她离开后才抬起头。

是啊，如果和如果不，无论如何都过去了。

人生的长路上，能碰到过一个人，陪你走过一两个十字路口，在你因为各种各样的理由想要换一条路的时候，稍微那么拦住你一下，问你一句真的么，无论你的结论是什么；或者在你要往后退的时刻从背后那么轻轻推你一把，说别废话快往前走；或者在你不知道选什么的时候，不给出答案却把选择权交还到你自己手中，说自己的选择要自己做。

真的很幸运的。

我很自私地猜想，也许导演想要说的，其实是这个。

现已不接受任何转载，望谅。

谢谢。

———————————————————影片结束，放映室灯光亮起，我坐在自己的座位上久久没有起身。

La La Land，是我近几年看过的、最打动我的片子。

介于别的影评已经从不同角度（Chazelle独特的歌舞片风格、对好莱坞歌舞片黄金时代的致敬、写给洛杉矶的情书、高司令和Emma的神级演绎、触动人心的原声带等）专业地评价过导演、演员功力之厚，影片蕴含之深、情怀之重，我就仅写写自己作为一个被打动的观众的，关于梦想，关于艺术的所思二三吧。

看完之后心情非常复杂。

硬要捋一捋，我觉得甜蜜而又悲伤，悲伤但却甜蜜，能够简短地总结这部电影给我的情感体验。

片名《La La Land》妙极。

这个词是英语里的一个常用语。

韦氏词典define "La La Land" as the following: "an euphoric dreamlike mental state detached from the harsher realities of life", 即一种极乐的、在梦境中一般的、脱离残酷现实的精神状态。

在我看来这个看似可爱无心的词，极准确、简练地形容了影片里的故事，同时也总结了该片想要向观众传达的一个讯息。

另外，La La Land也是影片故事所在地LA洛杉矶的别名。

洛杉矶，the city of stars, 无数年轻人来好莱坞寻梦、无数人的梦想在这里破灭，然而永远有人在寻梦，有人年轻着，这个城市的星光永远不会昏暗，似乎永远都那么美好。

而我之所以喜欢这部片子，也正是因为它实在美好得无可救药，浪漫得一塌糊涂。

事业不如意的年轻女演员和穷困潦倒的音乐家坠入爱河，一起追梦的故事其实已经被前人讲了很多次。

然而31岁的导演Chazalle仍不厌其烦地再次向观众讲述这样一个故事，这样的固执让我感动。

回顾他之前的作品Whiplash爆裂鼓手https://movie.douban.com/subject/25773932/ 故事也相对类似。

但Whiplash是更为愤怒的，孤注一掷的，饱浸汗水泪水甚至血水的，而La La Land相比之下，则是透明的，瑰丽的，干净的，如梦似幻的。

这个梦想的国度，是紫蓝色霞霁下的Lovely night，是黄昏望不见尽头的码头，是洒落了星光的璀璨银河，是你开心了就放肆地唱啊跳啊，音乐永不停止的dreamland, neverland。

举目望去，一切颜色都是亮的、纯的，空气似乎都是甜的。

你说现实生活中存在这样纯粹的美好么？

我们都知道那个答案。

这部电影妙就妙在，我们没有人愿意去问这个问题。

USA Today（今日美国，美国发行量第二大的国民报纸）评价这部电影用了一句话，我觉得很贴切 - "Cynicism's not welcome in 'La La Land' "/ 现实的冷言冷语、愤世嫉俗在La La Land里是不被欢迎的。

它美好得如一个童话，虽然没有最后男女主人公Happily ever after的结局，它仍然是一个童话。

它对一切的怀疑、顾虑都是免疫的。

即使我们知道它是虚幻的，也不忍心戳破。

我们愿意去相信。

在那些追梦的年华里，我们是幸福的，快乐的。

导演给了我们一个La La land, 一个safe space. 它充满善意。

这一点让我无比感动，感恩。

所有的梦想一下子都变得值得追求的，值得被人尊敬。

影片里有很多让我泪流的时刻。

当Sebastian唱着City of Stars, are you shining just for me?(星光璀璨的城市啊，你只为我闪耀吗？

) 当Mia唱起Here's to the ones that dream. (为了那些勇于做梦的人们）。

当Sebastian对试镜完的Mia说"You gotta give it all you have." (你必须全力以赴) 当影片最后台上台下的两人对望, 时过境迁，沧海桑田。。。

眼泪中我想起好多人好多事。

我想起大一的时候，我cohort里的一个男生，专业是爵士钢琴 - 就是影片中男主人公的专攻，多巧。

我们当时觉得他很疯狂，交着那么贵的学费，住在全美开销最大的城市，学没有多少人再去听的爵士。

我们擅自地为他的目盲感动惋惜。

可我忘不了他谈到爵士时眼里的光。

我想起我大二实习的现代舞团的团长Alison和她的舞蹈演员们。

他们没有一个人手头是富裕的。

每一次办演出，不仅是我这个实习生，连团长都要到街上去发传单，只希望有更多的人能够看到他们的作品。

而这样的一群人，穿梭在纽约的大大小小的排练室，创造出了一个又一个作品。

在美国大选结果出来的第二天，我看到他们自发地组织了一场在联合广场的公开art installation. 在他们的脸书艺术家召集令上，他们说“No make up or high legs required, only your soul” 我忘不了她们对艺术、生活的真挚。

我想起我的踢踏舞老师。

他半开玩笑地劝我们，如果你们想过得舒坦，千万不要把踢踏舞作为自己的事业，因为这赚不了任何的钱。

可当我问他要是不跳踢踏舞，他想从事什么工作，他看着我的眼睛，说“I can't think of anything else that I want to do” 我想不到其他我想做的事情我想起前男友刚决定放弃原本的专业，转去学习歌剧的时候，他在自己的主页上写下这么一句充满理想主义光辉的话，"有人问我学唱歌以后没钱吃饭怎么办，我说，我没想好，那就先饿着再说吧"我想起一次和他一起出去吃饭。

餐厅里有个卖唱的歌手。

他唱的并不十分的好，但是唱的很认真。

前男友听得很入神。

我说，我觉得自己不太敢正视这些卖艺的人们，觉得他们好可怜，用一首又一首也许没有人在听的歌去换取极微薄的收入。

我也不喜欢看迪士尼的表演，是因为我总会去想，在人前欢笑、舞蹈的背后他们到底有多辛酸呢？

我承认自己善意的“怜悯”、揣测也许带有些许condescending的味道。

前男友听了之后认真地跟我说，不要“同情“他们，你有什么”资格“同情他们呢？

这是人家所选择的职业、生活，也许回报并不多，然后at the end of the day你又怎么知道他们不是快乐的呢？

他们不比我们快乐呢？

他的想法充满善意，然而无疑过于理想化、naive。

但我那一刻还是被感动了，而且自惭形秽。

我想起我和前男友分开的时候。

已经是歌剧演员的他抱着我说，我选择的这条路太难走，我无暇顾及其他，必须全力以赴，对不起。

我流着泪点头说，嗯，没关系，我懂。

Here's to the fools that dream.追梦的路是很难走的。

真正实现梦想的人们少而又少。

但谁又真能高高在上地说这些坚持做梦的人们是傻瓜呢？

在纯粹的梦想面前，任何善意的非善意的揣测和同情都自惭形秽。

在做梦的人们，请你们一定不要放弃。

我想起小时候的自己。

最小的时候我想要成为一个舞蹈家。

可惜先天软度不够，跳了十年，我放弃了。

我不觉得可惜，因为身体条件确实不够。

但我记得那些个在练功房挥汗如雨的日子，那些压腿压得哭哑了嗓子也仍然坚持的日子，那些在一遍又一遍的拍子、音乐中跳跃、旋转的日子，那些辗转在各地的演出场所表演的日子，那些纯粹得因为热爱而热爱的日子。

我想起我曾经想成为一个播音员。

从小学、初中到高中，我一直在学校有自己的广播节目，也是校内外大大小小活动的主持，还代表中国去过外国访问演出，被大使接见。

看着我长大的叔叔阿姨似乎都认定我将来要去电视台主持个什么节目。

可我是什么时候放下了话筒的呢？

我想起稍大了些我想做一个话剧演员。

我喜欢刻画一个又一个的角色，喜欢在漆黑的剧场里，我站在舞台的镁光灯下声音一直传到最后一排观众耳朵里的感觉。

申请大学的时候，有几所学校我申请的都是戏剧专业，也居然被录了。

可我为什么没有去呢？

我的梦在哪里呢？

它们都去哪儿呢？

我是什么时候把它们弄丢了呢？

我要怎么把它们找回来呢？

我用它们换了些什么？

它们现在又是什么呢？

王尔德说，我们都生活在阴沟里，但我们中的一些人却在仰望星空。

我们其实都有过梦想，只是有些人变换了，有些人放弃了，而有些人一直坚持着。

你能去可怜他们，说他们不是快乐的么？

影片最后在酒吧里各自实现了梦想但早已天各一方的二人，在目光相汇的那一刻，分明是微笑着的。

I trace it all back, to that多年之后当我回顾，我想起Her, and the snow, and the Seine她，那雪，那塞纳河Smiling through it笑对着人生种种She said她说She'd do it, Again倘若有来世，愿再从头来过我想起立鼓掌。

我的La La Land 电影原声带乐评 《倘若有来世，愿再从头来过》 https://music.douban.com/review/8223865/

很多人说故事情节简单，什么都没讲，但其实在视觉上的，音乐上的，剧本上方方面面，每一帧的信息量都巨大。

我第一次看时，甚至感觉根本来不及处理这么多信息。

和朋友讨论了一些细节。

挑了几个，比较零碎，随便看看就好。

1. 红灯柱子这是一个我极其喜欢的镜头。

Mia 听到了Seb的琴声驻足了。

这时两个红色的霓虹灯管把mia框住了。

Mia被琴声吸引但是镜头一转，我们也随mia的视线注意到镜头左侧的门，而这时Mia在灯管外了，似乎有一些悬念，一些犹豫。

Mia还是决定进去一探究竟，而这个两个红灯柱子再次把她框住。

Mia伸手拉门这一组镜头短短几秒，像是一个三段论：出现情况-应对-结果，简直...2. Seb 的人物性格是很连贯一致的。

电影通过两处直接的情节推动，告诉Seb是个很用心思的人一、第一次直接对话，Mia随口一说自己在华纳兄弟片场的咖啡馆工作

华纳兄弟片厂的咖啡馆

所以Seb就偷偷溜了进去找她。

二、在片场散步的时候，Mia随口说到了她的阿姨和家住哪里，所以Seb最后能找到Mia

Mia讲述自己的阿姨和她一起看老电影时说出了自己的住址

Mia的住址这两点都是电影直接告诉观众的。

还有几处细节，没有那么明显，很subtle。

从party出来以后一开始就问Mia的鞋子是不是舒服

Those...look comfortable?两个人在山上跳完舞之后，Mia被男朋友的一通电话打断，Seb听到了。

Greg打来电话所以seb明知故问，想要再确认一下，问Mia你的Humphrey Bogart叫什么？

没等Mia回答就又问，是叫Greg么？

Seb问起Mia的男友最后约Mia看《无因的反叛》的时候也会说出“for research”学术研究。

所以这样的人物性格， 会明明把车停在party house的门口但一路陪Mia走上山去找车，听到 mia 和家人打电话 就签约也是不足为奇了。

Mia问他要不要载你一程带你找车

车就停在门口Mia问他要不要载你一程带你找车（Do you wanna a ride to your car?），车就停在门口，还说在山上（No, I’m just right up here.），怕穿帮啊。

跳完舞以后，还自己滑了一下，意犹未尽的感觉。

3. Mia的饭局餐桌上的几个人一开始谈的是家庭影院的立体声环绕音响有多好（surround sound set up），现在的电影院环境有多糟。

众人毫不走心地讨论家庭影院而Mia注意的却是一个不起眼的小音箱。

Mia脑海中响起Seb弹的音乐最后她去了Rialto那个老旧的电影院。

当然我第一次看的时候有一个疑问，就是为什么那个小广播里会放出Seb原创的曲子。

配乐Justin Hurwitz自己在genius上解释说，是mia脑海中的旋律，而不是饭店真的在播放。

Justin Hurwitz: It’s not actually coming through the radio, it’s in her head. And then she runs out of the restaurant. https://genius.com/Justin-hurwitz-mia-and-sebastians-theme-late-for-the-date-annotated4. 这一个是不是精心设计的细节？

这是两个人一起合唱city of stars的场景

这是第一次争吵时的背景：

Mia还在绿光里

Seb却在绿光外了绿光是什么呢？

梦想？

这个片的颜色和灯光 就可以让我看个两遍5. 飞起来Someone In The Crowd的歌词里有一句The someone who could lift you off the ground于是：

6. 一个导演很满意的镜头seb跟mia从the lighthouse出来以后

Mia先回头

Seb也回头7. 爵士乐和最后一曲Seb和Mia在Jazz club重逢之后，Seb默默地坐下开始弹起了他们初遇时的曲子Mia & Sebastian Theme。

这让我想起Seb第一次向Mia介绍Jazz时的话：

Seb向Mia介绍JazzJazz was born in a little flophouse in New Orleans. People were crammed in there spoke five different languages. The only way they could communicate was with jazz.爵士诞生在新奥尔良的一个小旅馆里。

一帮人说着五种不同的语言挤在里面，他们之间要相互交流只能通过爵士乐。

最后，台上seb无法和台下mia直接对话了，而这首曲子就是他交流的方式。

8. seb和餐厅老板bill讨价还价的场景这是一个我特别喜欢的一个场景，台词写得很棒。

也很突出Seb性格。

首先seb的第一句话Thanks for having me back 就说明之前已经有过这样的情况了，这次是明知故犯，但就是忍不住。

前后两次和老板讨价还价第一次很幽默：Seb: OK, although I thought in this town it worked on a sort of one-for-you, one-for-me-type system. How about two for you, one for me? How about all for you and none for me?…Seb: OK, mutual decision then. Bill: Right. Made by me.我以为镇上的规矩是，一首为你弹奏，一首为我弹？

要不两首为你弹，一首为我弹？

要不全部为你弹，零首为我弹？

对应了后面第一次和mia的对话：Seb: He doesn’t… I don’t… he doesn’t tell me what to do. Mia: he just told you want to do. Seb: I know I let him.第二次就有点辛酸了Seb: I hear what you are saying but i don't think you are saying what you mean Bill: yea I don’t think you hear what I am saying. you are firedSeb: I know but that’s what you are saying but that’s not what you mean, what you mean is…Bill: you are firedSeb: Play the set listBill: No I am saying it’s too lateSeb: It’s a warning.Bill: What planet are you from? You are doneSeb: Don’t fire me.Bill: I’m sorry, seb.Seb: It’s Christmas.seb自己说：I want to be on the ropes, I’m letting life hit me until it gets tired我就是想要让生活穷追猛打，直到生活打不动我。

刚刚看完La La Land（中译名为“爱乐之城”），真是年末的小惊喜。

电影的情节并不复杂，探讨的话题也似曾相识，从思想层面上并没有让人耳目一新，但是在情感的处理上，却非常动人。

从爱情角度讲，其实是一个典型的好莱坞式boy-meets-girl的故事类型。

女主角Mia （Emma Stone）是一个还在到处试镜到处碰壁的准女演员，白天还要去咖啡馆工作来维持生计。

男主角Sebastian（Ryan Gosling）则是一个一门心思想演奏爵士乐的钢琴伴奏师。

两个都不得志的人相遇相爱相互鼓励，度过了短暂的浪漫时光。

故事总要有转折，年轻人不得不成长，白日梦要醒来，生活要出现变化，而这里的变化始于Sebastian签约了一家很火的乐队做键盘手。

这个乐队做的更近于流行音乐，到处巡演，是一份稳定的、薪水可观的工作，但和Sebastian所向往的音乐，想完成的志业（开一家爵士乐酒吧，演奏真正的爵士乐，传达爵士乐的即兴与变化之精神），基本毫无关系。

Mia问他为什么要做这个选择，而Sebastian却觉得他在努力做一个好男人、好伴侣，满足Mia的期待，而Mia对于他成功的不满，是因为他事业有起色了，导致Mia和他相处时优越感降低了，所以才会不满。

俩人那天晚上不欢而散，第二天Mia自编自导自演的戏剧首演（基本没什么人去），Sebastian也因为工作而错过，Mia对自己的事业和爱情都失望到极点。

这时候出现了一个试镜机会，Sebastian说服Mia去了。

试镜之后，Sebastian已经预感到了Mia未来的成功，和即将到来的分离。

影片的结尾，则是五年后各有人生的Mia与Sebastian再度重逢。

影片也可以算做是young adult的成长主题。

YouTube影评人Chris Stuckmann说，很多观众觉得这部电影是一封写给洛城LA的情书，因为La La Land本身也是洛城别称。

但在他看来，这部电影其实一封写给passionate people的情书，写给那些怀有热忱坚持梦想的人。

——这也是我说这部电影在主题上并没有推陈出新的原因。

坚持梦想vs面对现实，实在是一个太老套的话题了，感觉已经被各路文艺作品和鸡汤文章换了八万个角度切入，怎么选都有理由，都可以理解，但让人甘愿去追逐、并为之目眩神迷或黯然心碎的，是一个学名为“可能性”的骗局，是一个标着“what if”的鱼钩，是平行世界里的你我。

追看过同人文的都知道，同人的一大动因就是，what if. 如果你们没有遇到，如果你们早一点遇到，如果你们晚一点遇到，如果换一个时空换一个地点遇到，故事都完全是不同的打开方式了。

而这个电影的结尾十分钟，就是一个完美的“what if”命题作文。

五年后，Mia已经有了自己的家庭，为人妻为人母，事业有所成就，在LA定居。

某个傍晚，和丈夫晚饭后散步，无意间进入一家爵士酒吧，恰好便是Sebastian开的，Logo用的还是当年俩人热恋时Mia给他设计的。

俗套吧，煽情吧，但真的很好哭的。

Mia从Sebastian上台弹琴开始，就恍惚间看到了另一条人生轨迹，Sebastian也一样。

如果，如果当时吻你，当时抱你，如果我当时没有签约乐队，如果我出现在了你的首演现场，如果我陪你去巴黎，我们会不会已经是一对眷侣，是一个宝宝的父母，晚饭散步后来到这家酒吧，看另一个做着音乐梦的人年轻人琴声悠扬，而台下的我们十指紧扣。

看到这一段的时候，我真的一下子想起来我学妹和我讲过的一个场景。

当时她和喜欢的男孩子面临各自东西的毕业，她要回国，而男孩子将去欧洲，俩人都心知肚明没有未来，只有抓紧眼前，一响贪欢。

俩人一起去旅行，去住在大森林里的小木屋里，过几天与世隔绝的日子，各自都已经讲好，回来后便不留遗憾地各奔前程。

可不巧，回来没几天，男孩子生病发烧了，本来讲好再不见面的，他却撒娇耍赖也要学妹来照顾他。

学妹没办法，去陪他，给他煮粥做饭，叮嘱他喝水。

那一天结束的时候，他们难过极了。

学妹跟我讲，”因为我突然清楚地意识到，我所不能拥有的，是怎样的一个未来，是我和他之间怎样的一种可能性。

“那么日常，那么具体，清清楚楚让你看到体会到，你要放弃的，是怎样一种生活。

这比抽象的”我不能跟他在一起了“要让人心痛多了。

La La Land的结尾也是这样一种具体的心痛。

如果说此前的分开只是一种概念，而分开五年后的重逢，却吊诡地让你意识到，不在一起了，分开了，是怎样具体而微的事实，是从此丧失了有你的人生，是你再没有可能成为我孩子的父亲，是我们便只有这台上台下相望一眼的缘分。

怡微写《玻璃之城》的影评，讲到”人生有你一定要走完的缘分“，说这部电影其实就是讲人人都会遭遇的爱的难题，明知早晚会分开，为什么会在一起？

明知再撑一下也许会有未来，为什么就拿不出一分一厘的意志力？

——那么其实，La La Land，讲得也是相似的故事。

没有误会，也没有天灾人祸，但人与人的相守相爱，就是那样难，连吃餐饭都是要珍惜的缘分。

如果我知道我们只有这一小段缘分，我们那样全面又细致地走进过一个人的世界，然后又不带片缕地走出彼此的生命，如果我可以知道我真正放弃的是什么，错过的是什么，——至少，我们曾经在洛城玫瑰色的日落里共舞过，被这城市的璀璨星光照耀过。

感谢有你陪我发梦。

《爱乐之城》不仅仅是创造了一个画廊，悬挂着那些受人推崇的经典作品，而是把这些「新」和「旧」融合在一起，以一种非常人性化、现代化、带有鲜明个人风格的手法展现出来。

如果你想优雅地欣赏《爱乐之城》，看这篇！

温馨提示：下文为2月6日修改版本，调整了结构、添加了图片、减少了剧透：）Enjoy

讲真，看《爱乐之城》的那天非常曲折。

伦敦试映当晚，我和@阿猴HOSEA 沐浴更衣，正准备盛装前往。

手机突然嗡嗡响，邮件提醒说：伦敦地铁又罢工了！！！

于是收起高跟鞋，踩起运动鞋，冒着淅淅沥沥的小雨，一路小跑！

卡着点终于赶到电影院，取票的队却有1500字作文那么长。

我们等啊，等啊，等，终于排到，注意，此时离电影开场只剩两分钟！

工作人员鼓弄了好一会儿，抱歉地说道：「哦，我的老伙计！

我们的机器突然坏了，打不出票！

」正在我们百爪挠心、愁眉不展时，一位热心的管事儿阿姨凑了过来，随手撕了两张纸，刷拉拉地画了几笔，递给我们：「就拿这个去检票吧！

」此刻，我们仿佛看到，阿姨胸前的红领巾，正迎风飘扬！

于是，这个怀旧的夜晚，就在这独一无二的手写开场白中，拉开了序幕！

30%的人不知道的事《爱乐之城》（La la Land, 2016）是导演达米安·沙泽勒（Damien Chazelle）的第三部作品。

他的上一部作品是《爆裂鼓手》（Whiplash，2014）。

也是这部电影让他一鸣惊人，好评如潮水般涌来，勇夺第87届奥斯卡最佳剪辑。

（《爆裂鼓手》剧照）

（《爆裂鼓手》幕后）谈到达米安电影的成功，他的搭档，作曲家贾斯汀·赫维兹（Justin Hurwitz）功不可没——贾斯汀是《爱乐之城》和《爆裂鼓手》这两部电影的作曲家。

达米安和贾斯汀是哈佛同学，一起组过乐队，深厚的革命友情让他们可以更好地包容、理解和创作。

△ （左：达米安、右：贾斯汀）谈到拍摄《爱乐之城》的初衷，达米安说：「我想试着谈论一下：生活和艺术，梦想和现实，能怎样融合在一起。

」想来想去，他认为音乐是最好的表达方式，所以，才通过音乐和舞蹈拍摄了这部片子。

这个想法与贾斯汀一拍即合，他花了很久去谱写剧中男女主角的主旋律。

于是，我们现在看到了这部纯粹、浪漫、自由、明亮，让人百听不厌、百看不厌的电影。

饰演男主角赛巴斯汀的瑞恩·高斯林（Ryan Gosling）为了诠释好钢琴家的角色，在影片开拍之前，曾花了三个月练习电影里的钢琴曲。

谈到《爱乐之城》的音乐时他说：「我连续三个月每天花四个小时练琴，按理说我应该不想再听到这些歌了，但它还是如此地打动我。

」

值得一提的是，《爱乐之城》一些重点歌舞片段的配乐是在曾经录制了《雨中曲》的录音室完成的。

所有的乐器在同一个房间录制，人声也是。

虽然是一种非常传统的录制方法，但是达米安和贾斯汀都认为这是最符合《爱乐之城》的录音方式。

（Youtube视频截图）40%的人不知道的事《爱乐之城》原计划的主演并不是高司令和石头姐。

男主角本来要用《爆裂鼓手》的主演迈尔斯·特勒（Miles Teller），女主角本来想邀请艾玛·沃森（Emma Watson）。

但迈尔斯辞演，艾玛为了真人版《美女与野兽》（Beauty and the Beast，2017）拒绝了《爱乐之城》。

所以，我们看到了现在的男女主角：米娅（由Emma Stone饰演）和赛巴斯汀（由Ryan Gosling饰演）。

导演在采访中曾说道，他认为石头和高司令是最接近经典好莱坞情侣形象的男女演员。

而《爱乐之城》的制作人也承认，他们俩在荧幕上的化学反应无人能敌。

（两个人的眼睛都这么美，也是没谁了！！！

）其实，这并不是爱玛和瑞恩的第一次合作，他们曾经合作过《疯狂愚蠢的爱》（Crazy, Stupid, Love，2011）和《匪帮传奇》（Gangster Squad，2013）。

（ 《疯狂愚蠢的爱》剧照）

（ 《匪帮传奇》剧照）

（《爱乐之城》剧照）虽然高司令的表现可圈可点，但不得不承认，这是一部属于女主角米娅的电影。

石头姐在本片中献出了她最美丽、活泼、灵动的演出，从唱到跳，给予观众无限惊喜。

还有她那如海般清澈的眼睛、雪白的肌肤以及迷人的小腿，设成屏保绝对有晚餐少吃一碗饭之功效……

（《爱乐之城》剧照）50%的人不知道的事如果说《爱乐之城》的主角已经足够夺人眼球，那它的配角绝对是藏龙卧虎。

在《爆裂鼓手》里凭借魔鬼老师的角色，夺得奥斯卡最佳男配角的J·K·西蒙斯（J.K. Simmons），在《爱乐之城》中饰演酒吧老板Bill。

虽然出场戏份不多，但刻薄的形象相当传神。

（《爱乐之城》剧照）在影片中饰演男主角老友，并邀请他加入乐团的吉他手Keith，是由约翰·传奇（John Legend）饰演的——他本人是R&B唱作人和钢琴家，九次夺得格莱美奖。

（《爱乐之城》剧照）传奇哥在电影中演唱了一首《Start a Fire》，那真是前奏一出，就准备好尖叫了……80%的人不知道的事哐哐哐，敲黑板，本文的重点来了！

能不能优雅地欣赏这部电影，就看这个Part了！

我看过《爱乐之城》导演达米安的一个采访，他在采访中提到《瑟堡的雨伞》给他的影响。

他说：「一开始五分钟，我在怀疑这部电影不会每一句台词都要唱出来吧？

」但是看到最后，达米安却被电影深深地打动了。

他说：「It's close to my heart in a special way。

」《爱乐之城》也确实让人想起六十年代的法国导演雅克·德米（Jacques Demy），他的经典之作《瑟堡的雨伞》（Les parapluies de Cherbourg，1964）和《柳媚花娇》（Les Demoiselles de Rochefort，1967），充满了法式的诗意与甜蜜。

（《爱乐之城》剧照）

（《瑟堡的雨伞》剧照）正是因为这份对歌舞片的喜爱，《爱乐之城》有一种渗透在骨子里的，深深的迷影情结。

所以，如果你细心观察，会发现整部电影里有无数个令人惊喜的设计和彩蛋。

开场的那段高速公路上的群舞，致敬了艾伦·帕克著名的追梦歌舞片《名扬四海》（Fame,1980）。

（《爱乐之城》剧照）

（《名扬四海》剧照）

名扬四海 (1980)8.01980 / 美国 / 剧情 音乐 / 艾伦·帕克 / 埃迪·巴特 艾瑞尼·卡拉《爱乐之城》开场的这段歌舞封锁高速公路拍了两天，用了100多个歌舞演员，在场面调度上让人无话可说，奉献了年度最令人难忘、最让人无法老老实实坐在座位上的开场。

（Youtube视频截图）《爱乐之城》的女主角米娅是一个梦想成为好莱坞女演员的女孩，每天不停地面试，却因为各种各样无奈又令人发笑的原因被打断。

在她的房间里，贴着一张巨幅的海报，上面是英格丽·褒曼。

而男女主角的爱情故事，也忍不住让人想起褒曼主演的电影《卡萨布拉卡》（Casablanca，1942）：「 世界上有那么多城市，城市里有那么多酒馆，你却偏偏走进了我这一家。

」

（《卡萨布兰卡》剧照，男女主角在酒吧相遇）

卡萨布兰卡 (1942)8.71942 / 美国 / 剧情 爱情 战争 / 迈克尔·柯蒂兹 / 亨弗莱·鲍嘉 英格丽·褒曼某一次甄选失败后，米娅沮丧地回到家，同住的朋友们为了鼓励她要带她去Party换换心情。

这时，四个American Beauty上演了一段性感又可爱的Street Dance。

这段舞蹈让人想起一流百老汇导演鲍勃·福斯（Bob Fosse）的《错失甜蜜》（Sweet Charity，1969）。

在《错失甜蜜》中，三个舞团闺蜜也在普通的街区上演过一场激情四射的完美演出。

（《爱乐之城》剧照）

（《错失甜蜜》剧照）

生命的旋律 (1969)7.61969 / 美国 / 剧情 喜剧 爱情 音乐 / 鲍勃·福斯 / 雪莉·麦克雷恩 约翰·麦克马丁《爱乐之城》里描绘米娅和赛巴斯汀感情的段落很多，其中最成功的，是用歌舞剧这种形式，把不可言传的暧昧、浪漫动人的恋爱以及痛彻心扉的争吵都视觉化地表现出来了。

它非常细腻又梦幻地描写了爱情，那些淘气、可爱、心动、默契的感觉都传达的很好。

比如男女主角在山顶上跳的那段舞：Lovely Night Dance。

很多观众已经看出赛巴斯汀抱着灯柱转了一圈的动作致敬了经典的歌舞剧《雨中曲》（Singin' in the Rain，1952），在此我就不多做介绍了。

（《爱乐之城》剧照）

（《雨中曲》剧照）还是这个场景，后来米娅脱下高跟鞋，两个人跳了一段特别逗趣的舞蹈——也就是《爱乐之城》官方海报上的场景。

比起匆匆出现的《雨中曲》致敬，这段舞蹈的设计其实更让人玩味，让人想起30年代的一部经典爱情歌舞剧《随我婆娑》（Shall we dance，1937）。

《随我婆娑》的男主角是一个出色的芭蕾舞演员，不过从不是循规蹈矩的那一个。

他暗自在舞鞋上钉上扣板，将踢踏舞跳得出神入化。

《随我婆娑》里面有个段落叫《Let's Call The Whole Thing Off》，讲述男主角带女主角去溜旱冰，两个人滑累了就坐下来聊天谈情，聊着聊着就跳了起来。

推荐大家去找找这个片段看，暧昧中带着天真可爱，是相当经典的歌舞段落。

（Youtube视频截图）

（《随我婆娑》剧照）我看到也有影评人认为这段致敬了《篷车队》（The Band Wagon，1953）。

如果单看场景的话，《爱乐之城》确实更像《篷车队》。

但考虑到具体情境和情感表达，我觉得《随我婆娑》的滑冰舞更俏皮也更幽默一些。

大家可以在观影时自行感受

（《篷车队》剧照）

随我婆娑 (1937)8.01937 / 美国 / 喜剧 爱情 歌舞 / 马克·桑德里奇 / 弗雷德·阿斯泰尔 金杰·罗杰斯

篷车队 (1953)8.01953 / 美国 / 喜剧 爱情 歌舞 家庭 / 文森特·明奈利 / 弗雷德·阿斯泰尔 赛德·查里斯电影中，赛巴斯约米娅去看由尼古拉斯·雷（Nicholas Ray）执导，詹姆斯·迪恩（James Dean）主演的经典电影《无因的反抗》（Rebel Without a Cause，1955）。

看完电影，两个人来到格里菲斯天文台（Griffith Observatory），这里也是《无因的反抗》中，经典打斗戏的实际拍摄地。

（《爱乐之城》剧照）

（《爱乐之城》剧照）

（《无因的反抗》剧照）

无因的反叛 (1955)8.01955 / 美国 / 剧情 / 尼古拉斯·雷 / 詹姆斯·迪恩 娜塔莉·伍德而至于他们在天文台里面跳的那场与星空共舞的浪漫华尔兹，有人说致敬了《摇摆乐时代》（Swing Time，1936），不过我也看到有其它影评人写说这段剪影的舞蹈看起来很像迪士尼的《睡美人》（Sleeping Beauty，1959）。

不过不管是哪个，都把爱情萌芽时那种飞翔在天边的喜悦用影像化的方式表达了出来，相当具有共鸣。

（《爱乐之城》剧照）

（《摇摆乐时代》剧照）影片的最后，萨巴斯汀弹了一首钢琴曲，随着音符，导演向我们展开了一种全新的假设，他们的故事像电影胶片般一幕幕展开，全是鲜花与笑容。

这最后的歌舞场景，用尽了整部电影最华丽最鲜艳的色彩和歌舞，那格外夺目而灿烂的光亮，正照进现实的无奈和欲言又止。

因为最后一段歌舞段落的前提是「假设」，也就是「Fake」，所以你会发现，在这最后十分钟里，这部本来就天马行空的电影，变得更加「不设限」了。

贯穿整部电影的「舞台感」，从收敛的舞台聚光灯效果，变成了一场真正的剧场演出。

（以上5张图均为《爱乐之城》剧照）说到这一段，就不得不提一下由金·凯利主演的歌舞剧《一个美国人在巴黎》（An American in Paris，1951）。

其中有一段近二十分钟的舞台场景舞蹈片段，用手绘的舞台背景搭配庞大的真人歌舞演出，流畅动人，想象力更是让人啧啧称其，完整看下来，简直是欢欣雀跃，叹为观止。

即使以现在的眼光看，也一点不过时。

要知道，这可是一部半个世纪之前的电影啊！

后来，这部精彩绝伦的歌舞片，摘得了第24届奥斯卡最佳影片，也被改编成舞台剧在百老汇和伦敦西区上演。

（《一个美国人在巴黎》剧照）

一个美国人在巴黎 (1951)7.11951 / 美国 / 剧情 爱情 歌舞 / 文森特·明奈利 / 吉恩·凯利 莱斯莉·卡伦总的来说，《爱乐之城》用它优雅而浪漫的风格，对现实、艺术、爱情、梦想，进行了强有力的表达。

它的节拍就是武器，舞步就是进攻，把观众带进了一场视听盛宴，一个五光十色的梦。

它让人回想起当年的米高梅——那个拥有107座奥斯卡小金人的米高梅，那个麾下明星比天上星星还多的米高梅。

还有那个歌舞片全胜的鼎盛年代，充斥在胶片里的欢歌笑语与无限辉煌。

（《爱乐之城》剧照）写在最后导演达米安表示，他很高兴大家看到了《爱乐之城》里的那些经典致敬。

但他希望自己所做的：不仅仅是创造了一个画廊，悬挂着那些经典作品。

而是把这些「新」和「旧」融合在一起，以一种非常人性化、现代化、带有鲜明个人风格的手法表达出来。

（《爱乐之城》剧照）而我，非常感谢有《爱乐之城》这部片子，因为它是那样睿智而巧妙地，创造了新时代的歌舞剧电影。

它给了观众机会，去好奇、去享受、去了解。

这也是为什么，我觉得它是今年情人节比约会更值得期待的事情。

如果你：浪漫感性向往爱情懂的电影爱听音乐充满热情还有梦想热爱生活……请，不要错过它，《爱乐之城》。

提前祝大家，情人节约会顺利。

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